L'équipe du Louxor accueille les premiers spectateurs (18/04/2013) © Paris-Louxor

Qu’il est long ce silence. Aux dernières nouvelles, le monde sera encore là mardi prochain. Nous continuerons à nous adresser des messages quotidiens, des images de nos intérieurs ; de nos intimités confinées, à créer des moments uniques, à prendre des nouvelles de nos proches, de nos voisins, à penser à ceux qui triment, souffrent au quotidien, à ceux qui partent, des souvenirs difficiles pour demain. De cette exposition distanciée, on n’a vu que ce que l’on a bien voulu (nous) montrer. C’est tout un monde qui s’est exposé à nous, agité, bien que retenu par ce calme tendu d’un rythme à bout de souffle.

La ville prend son temps, rompant avec le flux permanent des circulations du carrefour Barbès.
Puis l’on a entendu ce silence, ce souffle si rare qui se faufile et déshabille une rue, une avenue, un parc, révélant des sons insoupçonnés, que seules les sirènes interrompent. Rues désertes, rideaux fermés contrastant avec la petite foule de badauds plus ou moins masqués des week-ends ensoleillés, de joggeurs déconfinés, et au milieu, le Louxor, figé, silencieux, faisant écho à ses trente années d’invisibilité.

Un cinéma, c’est une fenêtre sur le monde, bien que fermée, les habitants du quartier et au-delà, ne l’ont pas oubliée. Derrière le rideau tiré, ce sont des femmes et des hommes, des vies, des emplois, à l’accueil, à la sécurité, en cabine, au bar, au micro devant l’écran, à la programmation, aux chiffres, à la direction… En décembre dernier, nous rencontrions le directeur du Louxor, Emmanuel Papillon (ici), dans une cantine du quartier, pour faire le point sur ces sept années à la tête de la salle de cinéma. Un entretien qui suscita de nombreuses réactions, des encouragements, et contexte oblige, se prolonge d’une question simple  « Comment allez vous ? ».

Aussi, pour répondre à chacun, pour maintenir le lien, à partir de ce qui nous avons en commun, l’amour du cinéma, le quartier, il a proposé à son équipe d’évoquer le point de départ de leur cinéphilie. Nous pensons à eux, nous vous livrons ici leurs réponses, Et nous vous invitons, à votre tour, à partager vos témoignages : « Et pour vous, comment a débuté votre amour du cinéma ? ». (Pour vos témoignages : contact[arrobase]paris-louxor.fr).  Prenez soin de vous et de ceux qui en ont besoin.

Cliquez sur le titre du film pour voir l’extrait vidéo choisi.

Antoine Pineau – agent d’accueil.
MONIKA – Ingmar Bergman

Je devais avoir 16 ans. C’était en pleine nuit, dans le lit de ma chambre d’adolescent. J’ai découvert le film en dvd sur mon ordinateur. C’est la première fois que j’ai pleuré devant un film. Cette nuit-là, j’ai compris que le cinéma aurait une place primordiale dans ma vie.

Axel Nouveau – pianiste, intervenant ciné-concert.
LA VIE EST BELLE – Roberto Begnini

La première scène qui me vient à l’esprit quand je pense à mes premiers émois cinématographiques c’est la scène finale de La vie est belle, quand le char américain vient sauver Giosué et qu’il pense avoir gagné le jeu imaginaire de son père.
J’ai vu le film à sa sortie en 1998 avec ma grande soeur, je ne sais plus trop où, je crois que c’était dans une petite salle parisienne mais mon souvenir est flou, je me rappelle en tous cas qu’on était tous les deux en larmes à la sortie.

Benjamin Gallet – agent d’accueil.
MULHOLLAND DRIVE – David Lynch

Vu à 16/17 ans, à sa sortie, au Katorza à Nantes. Souvenir de la fin du film : je trouve ça incroyable, je ne comprends rien, je ne veux surtout pas que ça s’arrête là, maintenant, je me répète en boucle « faut pas que ça s’arrête, faut pas que ça s’arrête » et là évidemment, noir, générique. C’est le film que j’ai le plus revu, je l’ai d’ailleurs revu deux fois (dont l’une en pellicule) au Louxor, et que je continue de trouver complètement fascinant.

Benjamin Louis – directeur technique.
DELICATESSEN - Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro

Ça n’est pas le moment le plus poétique du film mais cette séquence de promiscuité dans un immeuble a le mérite d’être d’actualité en cette période de confinement … Je me souviens avoir vu ce film avec ma mère un peu au hasard des sorties en salle en 1991. Ses réalisateurs géniaux étaient encore méconnus à l’époque et nous étions très ignorants et sans a priori… La séance términée, nous avons emporté un peu de rêve dans le sombre escalier de la sortie et dehors nous avions le sentiment très enthousiaste d’avoir enfin vu quelque chose de neuf, une oeuvre d’art. Cette impression se confirmait en parlant du film devant un chocolat chaud… Un bon cinoche ! J’ai revu ce film si bien rythmé avec autant de plaisir et j’en constate à chaque fois l’harmonie. La cohérence de toutes ces idées pourtant exprimées simplement avec cette esthétique bizarre et si typique qui a été beaucoup plagié depuis. Un ovni, un poème cinématographique…

Camille Verry – assistante de programmation.
CHARADE – Stanley Donen

Vu pour la première fois à l’âge de 18-20 ans environ, un été, avec mes parents, dans une petite salle de cinéma parisienne de répertoire, mais je ne sais plus laquelle (Sûrement un « Action » de l’époque, Action Christine, ou Action Ecoles…). Et revu 4 ou 5 fois en DVD depuis… Film fondateur de ma passion pour la délicieuse, facétieuse et tellement classe Audrey Hepburn !

Charlotte Soubrane – projectionniste.
JOUR DE FÊTE – Jacques Tati

Je crois que c’est mon Papa qui m’a montré ce film à la télé quand j’étais petite et je l’ai revu plusieurs fois (mon cousin avait la cassette !). Je l’ai vu une seule fois dans un cinéma en 2013 ou 2014, mais je ne sais pas dans quelle salle (je sais juste que c’était à Paris).

Claire Vaudey – serveuse au bar du Louxor.
UN CONTE DE NOËL – Arnaud Desplechin

Quand je suis arrivée à Paris pour mes études, c’était le mois d’août et je ne connaissais absolument personne à part ma sœur qui habitait déjà sur Paris depuis quelques années. J’ai donc passé un mois dans un studio en attendant la rentrée au Beaux-Arts sans savoir trop quoi faire. Pour faire passer le temps ma sœur me donnait des DVD, c’était à un moment où, quand on achetait le journal Le Monde le dimanche, il y avait un DVD avec. Bref, il y avait plein de très bons films, mais pas forcément ceux qu’on a envie de voir à 20 ans quand on arrive dans une nouvelle ville… donc après Stromboli, Aguirre la colère de Dieu, Allemagne année zéro… je suis tombée sur Desplechin, c’était génial, cynique et drôle, ouf !!

Emmanuel Papillon – directeur.
LA FIÈVRE DANS LE SANG – Elia Kazan

La scène finale de La fièvre dans le sang (Splendor in the grass) 1961. Elia Kazan. Je me souviens d’avoir vu le film en VHS avec un ami très cinéphile. Le film avait du être enregistré au cinéma de minuit, ciné-club de Patrick Brion (merci à lui pour son énorme contribution à ma cinéphilie). Je devais avoir l’âge de Natalie Wood et de Warren Beatty. Le film m’a touché profondément et encore aujourd’hui je ne peux pas voir cette scène finale sans une forte émotion. Tout est juste dans cette fin le découpage de Kazan, la musique, le dernier regard de Natalie Wood et ce cow-boy qui part à cheval. Nous sommes en 1961, le grand cinéma hollywoodien est en train de tourner la page.

« Though nothing can bring back the hour
Of splendour in the grass, of glory in the flower … »

Fabienne Duszynski – intervenante ciné-club.
DÉTOUR – Edgar G. Ulmer

C’était au tout début des années 90 – 1991 ou 1992, me semble-t-il. C’était un mardi soir à 21 heures – cela, j’en suis sûre parce qu’à cette époque le Métropole (cinéma de Lille où j’étais alors étudiante) montrait tous les mardis à 21h un film de répertoire. J’y allais systématiquement, sans même me donner la peine de consulter le programme que je ne découvrais qu’une fois sur place. Les « classiques » (j’ai découvert sur grand écran M le Maudit, Citizen Kane, des films de Fellini, Godard ou Antonioni) alternaient avec des raretés, exhumées au hasard des restaurations de copie. Je ne ratais rien. C’est dans ce cadre que j’ai découvert Détour d’Edgar G. Ulmer, un film de série B sorti en 1945, film noir réduit à son épure, brut, film fauché (j’apprendrais, bien plus tard, qu’il avait été réalisé en 7 jours – montage compris) qui oblige à l’intelligence de la mise en scène. Ce fut un coup de foudre, qui se mua en obsession ; je ne cessais, les jours suivants, les semaines suivantes, les mois suivants, de penser à ce film dont je vantais auprès de mes camarades cinéphiles la force et les singularités. Je fus, pendant longtemps, « la-seule-qui-avait-vu-ce-film-génial-qui-ne-passe-jamais-nulle-part » (c’était avant le DVD, et bien avant Internet).
On sent ici la pauvreté du budget de production, mais il suffit à Edgar G. Ulmer de rideaux autour d’une ébauche de scène, de quatre tables hantées par une dizaine de figurants pour nous faire croire au club de jazz new-yorkais où sont censées se dérouler les premières scènes du film. Pourtant, le réalisateur sait prendre le temps, un temps dont il ne dispose pas (il lui faut raconter une histoire en 1h et 8 minutes). Ainsi cette scène où le personnage principal, pianiste de jazz qui s’apprête à prendre la route pour y rencontrer des ennuis, détourne une valse de Johannes Brahms en un boogie-woogie endiablé, n’est d’aucune utilité narrative. Dans ce modeste morceau de bravoure se joue tout autre chose : à rebours des habitudes de représentation du pianiste au cinéma (l’acteur ou l’actrice mimant l’inspiration, la concentration), la mise en scène ici ne masque pas l’artifice (les mains du pianiste ne sont pas celles de l’acteur ; l’acteur ne fait pas semblant de jouer) mais l’utilise, par ce montage qui alterne plans des mains incroyablement agiles et plans du visage du personnage qui semble s’être réfugié en lui-même, comme absent à son propre jeu, incapable de se réjouir de sa propre dextérité. C’est cette tristesse du pianiste que Truffaut et Aznavour déclineront dans Tirez sur le pianiste.
Vous pouvez aussi voir ceci.

Françoise Lombardo – agent d’accueil.
ITINÉRAIRE D’UN ENFANT GÂTÉ – Claude Lelouch

Loan Charles – responsable du bar.
LITTLE BIG MAN – Arthur Penn

Je l’ai vu à la télévision, cela devait être en 1983 un mardi soir car il passait souvent des westerns à l’émission « Mardi cinéma » ou « La dernière séance ». Pour une fois les indiens n’étaient pas représentés comme des sauvages et c’est une grande fresque sur la conquête de l’Ouest Américain et sur la réflexion d’être partagé entre deux cultures. Ce film passe rarement à la télé et encore moins au cinéma. Pour l’époque c’était rare des films de 2h30.

Martin Bidou – programmateur.
LA RÈGLE DU JEU – Jean Renoir

C’est le film que j’ai le plus vu (je dirais 8 fois), et j’ai été subjugué par l’utilisation par Renoir de la profondeur de champs. A tel point qu’il m’arrive encore de découvrir des choses, idées de mise en scène ou bien aussi à propos des personnages secondaires auxquels on ne fait pas attention au début. J’en apprécie tous les personnages, à commencer par Octave bien sûr interprété par Renoir mais aussi Dalio qui interprète le rôle du marquis, ou encore Carette le braconnier pris en amitié par le marquis…. C’est d’abord une farce où les intrigues entraînent les maîtres, les domestiques et les invités dans des situations qui dépassent leur condition sociale; ainsi les convenances sont bousculées et la farce vire au drame. Le film devient comédie humaine ou chassés croisés amoureux, crises sentimentales, bouffonneries bousculent la règle du jeu instaurée par les rapports de classe. L’hypocrisie des conventions sociales explose alors et la tragédie n’est pas loin… La satire sociale est permanente. Renoir parlait de son film comme d’un « Drame gai » ou d’une « fantaisie dramatique ». Il a su saisir son époque, celle de 1939 veille de la 2nde guerre mondiale et l’insouciance générale avant le dénouement. La bande annonce – très amusante à revoir aujourd’hui – se termine par un carton d’accroche qui n’a pas suffit à protéger le film de la furie des critiques de l’époque: « UN FILM PAS COMME LES AUTRES ». C’est un film pas comme les autres et Renoir était probablement trop en avance sur son temps, tant du point du vue du sujet, de la narration, de la mise en scène. Il reste mon film de chevet.. que peux voir et revoir avec un plaisir constant.

Olivier Pasquier – directeur financier
RETOUR VERS LE FUTUR – Robert Zemeckis

Pourquoi ce film ? Parce que c’est le premier film que j’allais voir sans mes parents avec mon argent de poche et à partir de ce moment là j’allais une fois par mois au ciné avec l’argent que mes parents me donnaient.
C’était le premier mercredi de la sortie du film le 30/10/1985 à la séance de 14h au Gaumont Variétés à Angers (cinéma qui n’existe plus depuis) et en VF forcément….

Stéphanie Hanna – assistante de direction
L’HOMME QUI TUA LIBERTY VALANCE – John Ford

J’avais environ 20 ans, c’était au cinéma Utopia de Bordeaux et c’était encore du 35mm. En sortant, je dis à mon ami : il est incroyable cet acteur qui joue Tom Doniphon. Il me regarde de travers, mais aussi, il sourit. C’était la première fois que je voyais un film avec John Wayne. C’était aussi mon premier John Ford. J’ai dû le voir 5 fois ; la dernière, c’était il y a 1 semaine.

Victoire Bech – serveuse au bar du Louxor
LE PONT DES ARTS – Eugène Green
(minutage 1h17mn30s à 1h22mn25s ).

La station Barbès-Rochechouart dans Les Portes de la nuit de Marcel Carné (1946)

Truffaut, Lelouch, Dupeyron, Zidi, Gavras, plus récemment Éric et Ramzy, nombreux sont les cinéastes à avoir filmé la station Barbès-Rochechouart, à avoir su en capter l’ambiance, l’animation et son goût pour l’échange et le commerce. Avec son imposante armature métallique, ses épaisses fondations en pierre de taille, mais aussi son aspect un peu foutraque, cette station chargée d’histoire, poste-frontière entre trois arrondissements, symbolise une urbanité composite voire, par certains aspects, organique.

La Ville de Paris a inauguré le 5 février dernier trois promenades : « Marcel Carné », « Roland Lesaffre » et « Jacques Canetti ». Situées entre le Moulin-Rouge et Pigalle, haut lieu de la chanson et du cinéma populaire, au cœur de ce que nous appelons le “Petit boulevard” (ici et là). À quelques encablures de Barbès, on pense immanquablement à une chanson et à un film emblématique du Paris populaire, Les Portes de la nuit, tourné en 1946 par le réalisateur des Enfants du paradis et du Jour se lève.

Métro Barbès, décor de cinéma

Pour des soucis d’économie et de logistique, Carné fait reconstituer, avec la complicité de son célèbre décorateur Alexandre Trauner, la station Barbès-Rochechouart en studio, à Joinville et au studio Francœur (actuelle Fémis). Forts de leurs précédents succès, les deux compères ne lésinent pas sur les moyens pour construire ce décor tout aussi stupéfiant de réalisme qu’il est sujet à polémique. Nous sommes en 1946 et les fastes déployés pour la réalisation du film s’accordent mal avec la période de disette qui sévit. Avant que le plan Marshall ne commence à changer la donne à partir de 1947, l’opinion supporte extrêmement mal ce type de dépenses jugées « inconsidérées ». Trauner n’est pourtant pas allé jusqu’à reconstituer le Louxor, éminent voisin de la station Barbès !

Un malheur en appelant un autre, Carné doit finalement renoncer au couple star Marlene Dietrich-Jean Gabin auquel il avait initialement pensé pour interpréter les rôles principaux. Dietrich décline la proposition, les retards s’accumulent, les tensions avec Jacques Prévert, scénariste attitré de Carné à cette époque, s’accroissent, le tout entraînant également la défection de Jean Gabin parti tourner Martin Roumagnac de Georges Lacombe aux côtés de Marlene Dietrich, unique film du couple qui se séparera peu de temps après.
Carné confie leurs rôles à deux jeunes débutants : Nathalie Nattier et Yves Montand dans son premier grand rôle au cinéma, entourés de Pierre Brasseur, Serge Reggiani et d’un étonnant Jean Vilar en allégorie du destin. À sa sortie, Les Portes de la nuit essuie un sévère échec tant commercial que critique, il sera d’ailleurs rebaptisé par le journaliste Henri Jeanson “Les Portes de l’ennui”. La noirceur et le scepticisme, qui ont fait le succès de Quai des Brumes en 1938 (censuré sous l’occupation), ne feraient-ils plus recette dans une France d’après-guerre cherchant à se reconstruire à la fois structurellement et politiquement ? De cet échec émane toutefois la chanson Les feuilles mortes écrite par Jacques Prévert [par ailleurs résidant du 18e arrondissement, voisin de Boris Vian et habitué de la terrasse du Moulin Rouge, alors salle de cinéma (ici)], sur une musique de Joseph Kosma, fredonnée par Montand et Nattier et jouée à l’harmonica par Jean Vilar. Empreinte de nostalgie et d’une tristesse insondable, elle évoque les vestiges d’un amour disparu, mais toujours vivant dans le cœur des amants. La chanson deviendra quelques années plus tard l’énorme succès que l’on connaît, profitant également aux Portes de la nuit qui acquit ainsi une reconnaissance tardive.

Reconnaissance justifiée, car Les Portes de la nuit continue à résonner fortement de nos jours : les grands escaliers de la station Barbès et les grilles marquant la césure entre deux territoires n’ont pas changé, les flux de voyageurs en transit ressemblent à ceux d’aujourd’hui, on y croise déjà un vendeur à la sauvette (Julien Carette – le braconnier de La règle du jeu) usant de sa gouaille pour se débarrasser de son stock de lampes de poche américaines, en lieu et place des revendeurs des cigarettes trafiquées d’aujourd’hui.

Il faut se souvenir surtout qu’après-guerre, la mythologie héroïque et rassurante d’une France unifiée domine les écrans français – pensons à La Bataille du rail et au Père tranquille de René Clément, tous deux sortis en 1946 également. Sans faire des Portes de la nuit un grand film précurseur sur l’état de la société française sous l’occupation (il faudra attendre Le Chagrin et la pitié et Nuit et brouillard pour cela), le film de Carné n’en dépeint pas moins des personnages moins lisses et unidimensionnels que dans bon nombre de fictions héroïques alors en vogue. Marlene Dietrich a d’ailleurs expliqué qu’elle refusait ce rôle car elle ne se sentait pas d’incarner la fille d’un collabo.
Retrouver le métro Barbès-Rochechouart dans le film de Carné ne doit rien au hasard : la station symbolise l’entrée en résistance contre l’occupant nazi après que le jeune Pierre Georges, plus connu sous le nom de Colonel Fabien, abattit un soldat allemand sur les quais de la station, le 21 août 1941. « L’attentat du métro Barbès » a d’ailleurs été filmé par Costa Gavras dans Section spéciale, sorti en 1975. Forts de toute cette charge symbolique, les plans du métro Barbès devaient résonner tout particulièrement pour les spectateurs des Portes de la nuit de l’après-guerre.

Reconnaissable entre mille, il suffit de quelques plans du métro aérien et de la station pour dévoiler l’esprit du quartier, son animation et sa diversité, ses rencontres et son mouvement sans oublier son appétence pour le commerce.

Nous le disions : de nombreux cinéastes ont essayé de capter l’atmosphère propre à ce lieu de sociabilité. Dans Domicile conjugal (1970), François Truffaut y filme la stupeur d’Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud, photogramme ci-dessus) rejoint, quelques minutes plus tard, par la silhouette de Monsieur Hulot (clin d’œil aux magasins Tati à proximité ou hommage au réalisateur lunaire dont Doinel est le fils spirituel ?). La même année, Lelouch y filme la danse endiablée d’un gangster pour le générique du Voyou. En 1981, Juliet Berto, icône de la Nouvelle Vague, rend hommage dans Neige aux nuits de Barbès et Pigalle et filme quelques plans de la station. Plusieurs scènes des Ripoux de Claude Zidi (1984) donnent à voir cette même station, connue pour ses petits trafics et ses jeux de hasard. En 1985, Abdelkrim Bahloul situe l’action du Thé à la menthe à Barbès. Hamou, le personnage principal incarné par le tout jeune Abdellatif Kechiche, est un habitué du métro et du carrefour où il organise ses petits trafics. Citons également François Dupeyron qui, dans Un coeur qui bat (1991), transforme la station en lieu de rencontre anonyme pour ses deux amants aux amours contrariés. On pense aussi à Élise ou la vraie vie (Michel Drach, 1970), à Dupont-Barbès (Henry Lepage, 1951) du nom de la grande brasserie qui a précédé le magasin Tati et où se trouvait auparavant « L’Assommoir » si cher à Zola, ou à La vérité (Henri-Georges Clouzot, 1960) – la liste pourrait encore s’étendre.

Puis soudain, une question se pose : si Barbès, son métro et ses commerces incarnent à merveille cette idée de la « ville-monde », les récits cinématographiques sont-ils allés au-delà de la station Barbès-Rochechouart et des grands boulevards alentours ? Quelle représentation le cinéma renvoie-t-il de ce territoire ? On entre alors dans le Goutte d’Or, quartier qu’on ne peut séparer de Barbès, bien qu’il s’en démarque aussi par certains aspects, nous y reviendrons prochainement.

Extrait de Charlot et le Masque de fer, présenté au Louxor, la semaine du 31 octobre 1924.

Le printemps ayant quelques difficultés à se dévoiler, nous vous proposons un programme, du Louxor, de saison datant de fin octobre 1924.

Avec :

1. L’orchestre de M. Marius Kowalski
2. Toutes les actualités et les faits divers du monde entier par le Pathé-Journal
3. Charlot et le Masque de Fer, comique
4. Le Vert Galant (troisième époque)
Entr’acte de 15 minutes
5. Orchestre
6. Attraction : Maguy Delhery, chanteuse à voix
7. Pathé-Revue, documentaire
8. La Voyante avec Sarah Bernhardt (avec également Mlle. Marie Marquet, Harry Baur, Georges Melchior…)
9. Orchestre. Retraite

La Direction se réserve le droit de modifier le programme.

Nous remercions M. Tabaste de nous avoir prêté ce programme, que vous pourrez également découvrir lors de l’exposition « Nos cinémas de quartier » du 25 avril au 25 mai en mairie du 18e. (ici)

Nous avons rencontré le cinéaste militant [1] Jean-Henri Roger le 15 novembre dernier à l’occasion de la sortie en DVD de Neige [2], film qu’il réalisa, entre Pigalle et Barbès, en 1980, avec sa compagne Juliet Berto. Affable, cet amoureux et défenseur du cinéma évoque pour nous ses souvenirs, de Marseille à Paris, le tournage, le quartier et son cinéma. L’entretien est resté en suspend… débordé par le temps… jusqu’à être méchamment rattrapé par la réalité. Jean-Henri Roger nous a quitté le 31 décembre dernier. Il est des rencontres qui marquent et des rires qui restent. Le sien fait encore écho, le rire généreux d’un homme de conviction et d’un acteur passionné du cinéma. Peut être qu’un jour reverrons-nous Neige à Barbès, au Louxor, qui sait.

Le film est sorti en mai 1981, le contexte politique de l’époque a-t-il eu une influence sur le film ?

Il n’y a pas de lien direct entre le contexte politique, le film et son tournage. Le succès de Neige a accompagné la victoire de la gauche au moment de la sortie du film. Tout simplement parce que le film répondait à un désir des gens. La disparition complète de ces personnages et de ces lieux populaires dans le cinéma français était vécu comme un manque. Aussi, le désir de mettre en avant cette galerie de personnages de la rue a rencontré le désir de changement politique. Parfois, la situation nous échappe, il y avait Court circuits de Patrick Grandperret, un film cousin de Neige, lui à la Semaine de la Critique, nous à la Quinzaine des réalisateurs, la sélection aurait pu être inverse, tout comme la réception par le public. Nous étions de la même bande, de la même tribu. Pour Neige, il y a eu un processus d’identification, ce film était dans l’air du temps, les gens voulaient ce film là, à ce moment là. Ils en avaient marre de cette occupation de l’espace par les mêmes gens et les mêmes films.

Pour ce qui des personnages et du quartier. Ce qui nous agite avec Juju (Juliet Berto, actrice et co-réalisatrice ndlr), c’est en quelque sorte de réhabiliter, de rééquilibrer cet ensemble, de faire en sorte que ces personnages secondaires deviennent des personnages principaux. Qu’un quartier populaire, dénigré, devienne le référent d’un film, et pas d’une manière folklorique, ni en bien ni en mal, tout simplement le décor, un lieu, parce que cette histoire se passe là, en prise avec une réalité. Voilà comment se caractérise le désir politique. C’était pour nous une façon de dire il y en a marre de ces thrillers calqués sur le même modèle. Parfois avec de bons scénarios. Quand Jacques Deray adapte Jean-Patrick Manchette avec Trois hommes à abattre, c’est avec un bon scénario, parce que Manchette est un  magnifique écrivain de polar. Mais voilà, il prend Manchette et il enlève tout pour ne rien laisser. Tous ces films sont fait sur l’idée des acteurs et non des rôles, malgré tout Deray est un honnête homme. C’est un pan du cinéma qui existe, c’est le grand cinéma populaire et quand il est de qualité c’est formidable. Je n’ai rien contre mais ce n’est pas mon truc. Ce qui nous intéressait, c’était les personnages, c’était presque le désir démocratique de faire vivre les personnages, mais pas les acteurs. La réflexion politique était de cette nature. Alors, comment se pose la question du cinéma ? Si tu es comblé par les films des autres tu n’as pas besoin d’en faire ! Ce qui est important pour nous, c’est de maintenir la ligne du film avec d’une part les personnages, en tant que représentant du réel et le quartier, en tant que réalité, le reste ne nous intéresse pas. Parfois, avec une position poussée à l’extrême. Quand on fait des films on a des positions dogmatiques qu’on essaye de respecter même si on ne les respecte pas totalement, mais heureusement qu’on les a, car cela nous donne une espèce de morale. Nous en avions une, celle de ne jamais tourner dans un espace privé. La seule fois dans le film où il y a une séquence dans un espace privé c’est quand le chauffeur de taxi dit à sa mère que sa fille est en prison, c’est un choix délibéré, car cette question ne peut s’inscrire que dans le domaine privé. C’est la seule scène, tout le reste se passe dans l’espace public.

Comment s’est déroulé le tournage, réalisé pour l’essentiel en extérieur, de Pigalle à Barbès, jusqu’à la Goutte d’Or, sur le boulevard de Rochechouart…

Au bout de quatre, cinq jours, nous n’existions plus, nous étions invisibles, nous faisions partie du décor. Nous avons tourné pendant la fête foraine, nous étions des zozos, des clowns de plus dans le décor, des fondus dans la masse (rires). On tournait rarement deux fois la même séquence, sauf quand il y avait un attroupement, on faisait un plan, on s’en allait et on revenait deux heures après pour retourner. Nous étions peu nombreux, s’il avait fallu être 30 sur le tournage ça n’aurait pas été possible, dans ce cas là autant aller en studio… Il faut donc inventer des techniques pour pouvoir travailler de manière fluide. Nous étions une dizaine, parce que c’est un film fauché, réalisé avec peu de moyens. Aujourd’hui on trouverait que l’on était nombreux parce que les technologies ont évolué. Il y avait trois personnes à la caméra, deux au son, trois à la régie, deux assistants, deux électros et un machino. Lorsque nous étions sur le boulevard, on mettait la caméra sur le terre plein, et vice versa. On tournait en 35 mm avec la caméra à l’épaule. La plupart du temps, les gens ne nous voyait pas, à un point qu’on a tourné un plan avec des policiers venus brancher Nini Crépon (le travesti, Betty) qui titubait sur le boulevard, ils ne savaient pas que l’on tournait un film, la caméra était sur le terre plein. Ils n’ont rien vu, ensuite on leur a expliqué.

Reportage consacré au film « Neige ». Interview de Juliet Berto et Jean-Henri Roger, réalisé par Fernand Moszkowicz. MAJ. mai 2015.

La lumière du film est remarquable, on la doit à Lubchtansky, le directeur de la photo…

Nous étions les premiers à utiliser la première pellicule Fuji 400 Asa. Kodak n’avait pas encore sorti la sienne et Willy de chez Fuji voulait à tout prix que l’on essaye sa nouvelle pellicule. C’est alors devenu très clair, si vous voulez qu’on l’essaye donnez nous la pellicule pour faire le film. Sur le tournage, tu sais que tu ne peux pas éclairer le boulevard, d’ailleurs ça n’a pas de sens, si tu veux le faire, autant aller en studio. Il nous a alors fallu réfléchir à la manière de procéder avec toutes ces contraintes. Pour les scènes de nuit, il nous fallait tourner près de sources lumineuses, il y a même une scène de jour que l’on mis de nuit, avec une référence lumineuse très forte, toujours dans un décor naturel. Le seul endroit où l’on maîtrise réellement  la lumière c’est à La Vielleuse (bar de Belleville ndlr). plus précisément dans l’arrière bar, parce que le bar on ne l’a pas fermé. Je n’ai jamais fait fermé un bar, 60% des films environ que j’ai tourné se passent dans les bistrots, j’ai même un logiciel qui les répertorie ! C’est toujours une question complexe le tournage dans les lieux publics, le décor, le passage, les habitués. Le meilleur assistant du monde ne te trouve pas les bonnes personnes pour les scènes de bar, ce qu’il faut faire c’est avoir, en plus de la faune, deux, trois copains aux places stratégiques pour les raccords, dans le découpage et la mise en scène pour être sûr que trois heures après tu aies les mêmes. sinon c’est intenable.

Il était important que le film se fasse avec des “vrais gens” du quartier ?

À vrai dire je ne sais pas comment on peut faire autrement, mon imaginaire est incapable de faire autrement. Je ne me vois pas, je me sens incapable, et ce n’est pas un jugement de valeur, je parle là de ma démarche, je me sens incapable de demander que l’on me trouve des figurants comme ci ou comme ça. Je viens vraiment de l’idée que le cinéma c’est la captation, je suis un vieux Rosselinien dogmatique (rires). Le cinéma, pour moi, c’est la captation.

Dans le film, on retrouve nombre de salles de cinéma de Pigalle à Barbès, c’est l’époque de la fin des salles …

Oui, le Trianon, le Delta, le Moulin rouge etc. C’était même la fin de la fin des salles de cinéma ! Filmer ces salles, c’était une manière de leur dire bonjour… c’est fini… Ces salles de quartier étaient finies. À la grande époque, je me souviens être venu de Marseille à Paris et avoir vu Rio Bravo au Moulin rouge, lorsque l’on a tourné Neige, le Moulin Rouge était encore un cinéma mais 6 ou 8 mois après c’était terminé. Neige est un film dont l’amour du cinéma est manifeste dans le film et il y avait ce désir de mettre en scène ces salles de cinéma.

Joko (Robert Liensol), Anita (Juliet Berto) et Bruno le chauffeur de taxi (Paul Le Person) devant le cinéma Le Delta.

Dans quelles salles de cinéma avez-vous tourné ?

On a tourné dans la salle du Moulin Rouge et aussi dans le hall du Trianon. À cette époque les salles projetaient du cinéma de genre, y compris des films pornos, ou du cinéma des diasporas comme au Louxor où l’on passait du cinéma d’Afrique du nord.  Pour Neige, nous voulions tourner sur la terrasse du Moulin rouge, dans le film Raymond Bussières joue le projectionniste, c’est un hommage à Prévert. Nous voulions que Bubu joue le projectionniste de la salle où habitait Prévert, il habitait sur la terrasse du Moulin Rouge tout comme Boris Vian. Mais le désir était plus de tourner sur la terrasse du Moulin rouge, chez Prévert, que dans la salle. Prévert habitait en face de la salle de projection, à l’époque, les projectionnistes arrivaient par la terrasse.

Dans ce quartier il y a des tas de personnages qui ont une solidarité diffuse, non dites, entre eux. Bussières c’est le vieux parigot, il aurait très bien pu être projectionniste et fumer une cigarette avec Prévert pendant la projection des films, cette scène n’est pas du tout improbable [3]. C’était une autre manière de faire vivre le quartier avec ses habitants, ce ne pouvait être que Bussières qui soit projectionniste dans cette salle là.

Vous fréquentiez le Louxor ?

Non, pas vraiment. C’était un cinéma qui passait du cinéma de genre ou communautaire. Mais si on me propose une projection de Neige au Louxor, je ne dis pas non et je pense sincèrement que ça aurait de la gueule ! (rires). D’ailleurs, on a failli occuper le Louxor en 1997 avec le mouvement des cinéastes en soutien aux sans-papiers ! Nous avions réalisé un film et nous cherchions un QG, l’idée du Louxor est venue après une rencontre avec l’ancien propriétaire, Fabien Ouaki, mais Jean-François Bizot (ancien patron d’Actuel et de Radio Nova ndlr) l’a convaincu que ce n’était pas une bonne idée ! (rires).

Vous semblez très attaché au quartier…

On y vivait ! On habitait Square d’Anvers. C’est un film que l’on a fait en bas de chez nous ! On fréquentait autant les salles que les bistrots. L’exotisme absolu pour nous c’était La Vielleuse à Belleville !! Pour le film nous ne trouvions pas de grands bars dans le quartier où les proprios acceptaient que l’on vienne tourner. À La Vielleuse, on y retrouvait la même configuration avec le terre plein, le manège et surtout il y avait l’arrière salle qui était à l’abandon, du coup on a proposé au patron de la rénover pour le film.

Quelle était l’atmosphère dans le quartier à cette époque ?

Je dirais que ça n’a pas beaucoup changé, il y a toujours des ouvriers, des travailleurs immigrés sans le sous, des prostituées, des travelos malheureux, des dealers et des mecs en manque. Si l’on devait reprendre la caméra, on retrouverait le même tableau dans le cadre. C’est un des derniers quartiers qui est resté dans son jus, mais il est vrai qu’avec le rachat du Louxor par la Ville de Paris ça va changer… pour ce qui est de Pigalle, je ne pense pas que le quartier ait fondamentalement changé. Il m’arrive d’y retourner. Ça reste un lieu de la nuit, ouvert tout le temps.

Vous entreteniez un rapport particulier avec la salle de cinéma ?

Lorsque j’ai monté les marches à Cannes pour Neige, j’ai demandé à les monter avec Monsieur Moreau. C’était le propriétaire du “Festival”, un cinéma Art et essai sur le vieux port à Marseille. Lorsque je n’avais pas un sou, ce monsieur me faisait entrer au cinéma… c’était notre maison, j’y allais avec Echenoz, on habitait là ! Ça lui plaisait d’avoir un jeune mec de 15, 16 ans lui dire “Le dernier Rosselini… c’est quand !!?”. Il a compté pour moi, il était propriétaire de deux salles “Le Festival” et “Le Paris”. On y allait en tribu, il y avait deux bandes, toutes deux composées de quatre personnes qui se haïssaient cordialement mais qui évidemment s’aimaient beaucoup (rires) !! Nous étions amateurs de jazz et cinéphiles, c’état Positif / les Cahiers ! Jazz Mag / Jazz Hot !!

Quel accueil a reçu le film lors de sa sortie en mai 1981 ?

Le film a eu un succès incroyable, 600 000 entrées France, rapporté à aujourd’hui cela pourrait se compter en millions. C’est UGC qui l’a sorti. Je me rappelle la réaction du patron d’UGC, le père Sussfeld, me disant “On a fait 67 entrées à Odéon à 11h ce qui veut dire que l’on fera plus de 200 000 entrées à Paris pour le film…”. J’étais estomaqué, je me souviens lui avoir dit, “Si c’est comme ça que se détermine la vie d’un film, tu es un mec dangereux !”. Il ne s’est pas trompé. Il savait au nombre d’entrées fait à l’Odéon ce qu’il adviendrait du film, c’était l’une des seules salles à ouvrir des séances le matin, un des premiers multiplexes, il y avait 6 salles ce qui pour l’époque était énorme.

Le film a été réalisé avec peu de moyens, une équipe restreinte, vous établissez un parallèle avec ce qui peut se faire aujourd’hui…

Non et c’est compliqué ce qui se passe aujourd’hui. J’ai la chance d’être prof à Paris 8 en Master réalisation dont la finalité est de faire un film, je vois bien comment mes étudiants travaillent. On est à la fac, pas dans une école où l’on finance la réalisation des films. Il y a 55 soutenances par an, les étudiants trouvent, ils se débrouillent. Dans une économie qui n’a pas d’économie. La position du cinéaste maintenant est celle de l’artiste. Si j’ai fait du cinéma c’est parce que je ne voulais pas être artiste, je parle de la posture de l’artiste. Maintenant, le fait que tu puisses faire ton film tout seul chez toi te permet de te penser comme artiste. Nous on a fait le film avec rien mais on a quand même eu l’avance sur recette, quinze salaires à payer, même s’ils acceptent d’être payés à moitié, ils te font un cadeau dont tu es redevable. Tu es dans la société, le réel. Tu es dans un système, celui de la fabrication des films, tu n’es pas tout seul en train de fabriquer ton truc. Aujourd’hui, c’est totalement différent. Je n’ai pas du tout envie de faire un film seul, tout seul, moi et une caméra dans mon coin, tout simplement parce que je ne sais pas faire, en dehors d’un rapport à la société, au social, dont l’économie du cinéma fait partie. Toutefois, on ne peut nier l’intérêt que procurent ces moyens légers de réalisation, mais ce qui me dérange c’est cette tendance à la survalorisation du moi… Neige a eu la chance de rencontrer UGC qui l’a acheté, un an avant, pour pas grand chose. À l’époque Téchiné et nous, étions les danseuses d’UGC, on nous sortait de temps en temps (rires). Maintenant, l’époque des danseuses est révolue !

La musique a son importance dans le film, au point que vous avez déclaré « Neige est un film Rythm n’ Blues… »

Ah, c’est tout une histoire ! (rires) pour préparer la promo du film je me suis attelé à la rédaction du dossier de presse. Comme les journalistes sont un peu flémards, je cherchais une image qui soit suffisamment percutante pour être reprise, alors j’ai écrit “c’est un film Rythm’n Blues sur 800 mètres de boulevard, le rythme du cinéma, le blues de la vie” ! C’était dans le dossier de presse, mais c’est de la pub ! Si j’avais touché des droits d’auteur sur cette phrase là j’aurais gagné plus qu’avec le film ! (rires). Pour ce qui est de la musique de Bernard Lavilliers (« Pigalle la blanche » ndlr), on se connaissait, j’aimais bien ce qu’il faisait, cela correspondait bien à l’ambiance du film, je lui ai proposé et il a accepté (Il joue notamment le rôle de Franco dans le film). Cela s’est fait simplement, au moins jusqu’à l’enregistrement, après c’était plus compliqué mais c’est une autre histoire !!

Vous pensez qu’il est plus difficile de faire des films aujourd’hui ?

Il y a un décrochage, un déplacement. Le cinéma aujourd’hui manque de solidarité, à la fondation de l’ACID, on disait, le cinéma c’est de Deray à Biette et c’était vrai. Deray te disait il faut que Biette puisse faire ses films, Sautet disait également la même chose. Il y avait cette idée qu’il y avait -un- cinéma, avec plusieurs entrées, plusieurs économies, mais c’était -un- cinéma. Aujourd’hui, ce n’est plus du tout vrai. Entre le réalisateur qui se bat pour faire ses films et la grosse machine du cinéma, il n’y a plus aucune chance aujourd’hui pour que les films se croisent.

Qu’est-ce qui fait que les rencontres ne se font plus…?

Parce que le cinéma n’est plus l’image du monde, c’est la télé, internet qui est désormais l’image du monde. Tout comme la salle n’est plus un lieu de rencontre. Tout ça est lié, nous sommes à la queue de la comète. Nous on vit encore sur cette idée que le cinéma est la référence de l’image du monde, alors que ce n’est plus du tout vrai. Pour les gens ça se joue ailleurs, sur d’autres écrans, la télé, internet. La réouverture du Louxor est une idée nécessaire. Il va falloir trouver les films, convaincre, ce n’est pas gagné, si c’est compliqué à Saint Michel, on peut légitimement se dire que ce sera compliqué à Barbès, il va falloir être inventif.

Je ne suis pas un déçu du cinéma, il y a plein de choses que j’aime bien. J’ai aujourd’hui un peu plus de 60 ans mon Panthéon du cinéma je l’ai fabriqué, comme tout le monde, entre l’adolescence et l’entrée dans l’âge adulte, à une époque où l’on s’est nous même fabriqué. Alors, pour bousculer tout ça c’est toujours un peu compliqué ! On en a vu 10 000 mais on vit avec 20-30 films. Ces films là, ils sont à nous. les autres ont du mal à rentrer, de temps en temps il y en a qui rentrent. J’aime beaucoup Un Prophète d’Audiard, je vois ce que je pourrais ne pas aimer dans le film, et ça n’altère pas ce que j’aime, même si je vois la “fin UGC”. Ça ne change rien. J’ai vu Pierrot le fou le jour de sa sortie sur la Canebière à Marseille, et le dimanche après midi au cinéma les kakous pensaient qu’ils allaient voir l’histoire de Pierrot le fou, le braqueur  marseillais du gang des tractions, avec Belmondo dans le rôle titre !!! Aujourd’hui, cette confusion serait impossible. Ce sont ces films là qui m’ont nourrit et inventé.

Merci à Claire Viroulaud.

Portrait par Frédéric Poletti, photogrammes du film © Epicentre Films.

NEIGE en DVD _ Epicentre Films

Synopsis.
Anita est barmaid à « La Vielleuse ». Elle a un grand coeur, surtout pour Willy ancien professionnel de « full contact ». Jocko est le pasteur de l’église de la Sainte-Trinité au coeur de Pigalle. Ses messes et sa bonté apportent réconfort et chaleur à son entourage. Un jour Bobby dealer du quartier et protégé d’Anita se fait tuer sous les néons de la fête foraine. La barmaid et ses deux acolytes décident alors de secourir les drogués les plus dépendants.

Réalisé par Jean-Henri Roger et Juliet Berto. Scénario et dialogues de Marc Villard adaptés par Juliet Berto et Jean-Henri Roger.

Avec Juliet Berto, Jean-François Stévenin, Robert Liensol, Patrick Chesnais, Jean-François Balmer, Eddie Constantine, Paul Le Person, Émilie Benoît, Anna Prucnal, Raymond Bussières, Bernard Lavilliers…
Sorti le 20 mai 1981
Musique : François Bréant, Bernard Lavilliers
Durée : 90 minutes

[1] Dizga Vertov, Cinélutte, mouvement des 66 cinéastes. British Sound (1969) et Pravda (1970) avec JL Godard, Neige (1981) et Cap Canaille (1983) avec J.Berto, Lulu (2002) et Code 68 (2005).
[2] Prix du jeune cinéma au festival de Cannes (1981)
[3] Raymond Bussières, comédien, fut un des fondateurs du Groupe Octobre pour lequel Jacques Prévert écrivit de nombreux textes d’agitprop dans les années 1930. Il était militant syndicaliste actif du syndicat des comédiens.

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Critique, cinéaste, historien du cinéma, acteur à ses heures[1] et figure majeure de la cinéphilie française. Jean Douchet, l’ami de Truffaut, Godard, Rohmer, Daney, a participé à l’aventure des Cahiers du cinéma et à l’émergence de la Nouvelle Vague, c’est d’ailleurs à deux pas du passage de la Boule blanche, ancien siège des Cahiers qu’il nous donne rendez-vous. Enthousiaste à l’idée de retrouver un Louxor flamboyant, il se souvient de ces années passées dans les salles parisiennes, des grandes salles d’exclusivité jusqu’aux petits cinémas de quartier. Aujourd’hui encore, il est devant l’écran et anime, avec une passion intacte, plusieurs ciné-clubs et séances en province et à Paris, au Panthéon, à la Cinémathèque française et au Latina.

Parlez-nous de vos premiers souvenirs de cinéma.

Je suis allé au cinéma avant 39, dans ma première décennie. A l’époque, j’habitais en province, nous y allions en famille, mais nous fréquentions davantage le théâtre. Une fois à Paris, en pension, je suis allé plus régulièrement au cinéma. J’y allais le jeudi et le dimanche, je me souviens avoir vu les trois-quarts des films français pendant l’Occupation. En général, j’allais plutôt dans les grandes salles, les salles d’exclusivité, sur les Champs Elysées ou au Madeleine, c’était un cinéma chic, l’un des plus importants, il a aujourd’hui disparu. Il se situait entre le Café de l’Opéra et la Madeleine. Et puis, un peu plus tard, j’ai commencé à fréquenter les cinémas de quartier. Pour une raison très simple, à l’époque un même film pouvait être vu pendant un, deux ou trois ans. Ça commençait en première exclusivité pendant un mois ou deux. Ensuite en deuxième exclusivité. Puis ça passait dans des cinémas de deuxième plan mais de premier rang, puis de second rang. Enfin il terminait sa carrière au bout de trois, quatre ans  en province, dans des cinémas de campagne. C’est-à-dire qu’un film pouvait se voir sur trois, quatre ans. Cela m’a d’ailleurs beaucoup aidé pour écrire mon Hitchcock[2] parce qu’à l’époque il n’existait aucun moyen d’avoir une copie. Donc j’ai pu aller voir 60 fois Vertigo ou je ne sais quel autre film pour vérifier tel ou tel détail. À ce moment-là, j’ai fait un peu tous les cinémas de quartier. Le phénomène de la distribution donnait toute sa chance à un film en lui permettant une exploitation très longue d’autant plus que l’abondance de films était restreinte. Seuls sortaient quatre ou cinq films par semaine, je pense. Aujourd’hui, on ne sait même plus. Et puis il y a eu le changement des cinémas à double ou triple salle, qui sont devenus les multiplexes, dans les années 60. Puis en 80, en effet, tout l’ancien système d’exploitation et de distribution des films a été radicalement changé, perturbé. L’ancien système était détruit. Tous les cinémas de quartier qui faisaient ce travail de permettre de voir des films deux ou trois ans après leurs sorties n’avaient plus de sens. A ce moment-là, il fallait voir les films dans la seconde. Beaucoup de salles secondaires ou tertiaires n’avaient plus de raison d’être. Une véritable hécatombe. Même des salles spécialisées dans du cinéma ambitieux ont eu du mal. Par exemple, le Studio des Ursulines ou le Studio 28 dans le 18e, rue Tholozé.

Vous y alliez seul ?

J’ai toujours aimé être seul au cinéma, je n’aime pas être assis à côté de quelqu’un que je connais, y compris avec un ami, même avec mes meilleurs amis. Lorsque j’allais au cinéma avec Serge Daney, on ne se mettait pas à côté, j’aime être libre. Quand on va voir un film, il faut être seul avec l’œuvre.

Abordons plus précisément les années 50 où va émerger la cinéphilie. Vous avez participé à l’effervescence de cette époque avec les Cahiers du cinéma, puis la Nouvelle Vague. C’est une époque où l’on va beaucoup au cinéma où le cinéma  devient un art et une culture. Quels étaient vos rapports avec les salles de cinéma à cette époque ?

Il y avait une véritable fréquentation de vie: c’était des lieux de vie. On allait chez nous. [En aparté. Je me souviens même avoir vu en 1960 avec Godard et Rohmer la retransmission en salle des Jeux Olympiques!] La salle exemplaire c’était bien sur la Cinémathèque, avenue de Messine. Salle intéressante de 80 places au fin fond d’un couloir rempli par des décors en toile. Un incendie aurait eu lieu à ce moment-là, toute la Nouvelle Vague y passait, on l’a échappé belle ! Il y avait deux salles où les gens des Cahiers allaient le plus souvent car c’était à côté. Le Normandie et la salle en dessous des Cahiers : le George V. Le Normandie, c’était le cinéma du film à grand spectacle mais dit de qualité, c’est là que j’y ai vu le film de Mankiewicz Cléopâtre et Ben-Hur. Les Champs Elysées et autour, je pense notamment au Mac Mahon, on allait également dans les salles du quartier latin. Nous n’allions plus sur les grands boulevards alors que j’y allais beaucoup pendant l’Occupation et après la guerre, notamment au Paramount. Il y avait le Rex et le Max Linder, bien sur, mais ce n’était pas –nos- salles.

Cinéphiles au Studio Parnasse (1956), Jacques Rivette, Jean Domarchi, Jean-Luc Godard et Luc Moullet © DR

Les ciné-clubs ont été aussi des lieux qui ont favorisé des rencontres.

C’est compliqué. Les ciné-clubs sont devenus un mouvement très important juste après la guerre, vers 1946, un fort désir de cinéma est né pendant ces années d’occupation. Truffaut a bien montré ce désir de cinéma, un cinéma comme école buissonnière. En allant au cinéma, on a commencé à chercher des gens comme nous, c’est-à-dire des gens qui aimaient le cinéma. La plupart des rencontres se faisaient à la Cinémathèque. Il n’empêche que dans d’autres cinémas des groupes se faisaient ou devenaient hostiles les uns envers les autres. Les cinéphiles, c’est comme tous les fans, il faut que ça soit « groupé-groupie ». A ce moment-là, l’autre devient l’ennemi ! D’où, entre autres, le combat avec Positif[3]. Chacun était là dans son clan, mais malgré tout, tout le monde se connaissait. Il y avait une sorte d’accord tacite qui permettait à l’inimitié de se manifester amicalement (rires). Forcément, il y avait des salles qui se prêtaient mieux que d’autres à ce type de rassemblement. Les grandes salles purement commerciales étaient intéressantes pour nous seulement si elles proposaient un film à voir dans les meilleures conditions possibles, encore fallait-il que ce soit le cas. Le choix des salles se faisait également en fonction de la qualité de la projection.

Pourtant on a souvent dit que la salle de la Cinémathèque n’était pas très confortable…

Oui mais à la Cinémathèque on acceptait tout parce que c’était la Cinémathèque. De toute façon, Langlois[4] nous avait habitué ! Plus il passait un film muet avec des sous-titres incompréhensibles, plus il était content. Ça nous obligeait à regarder -les films- et, en effet, c’était une très bonne formation !

Pour en venir au Louxor, à quel moment l’avez-vous connu ?

Je l’ai connu vers 1945-50, je me souviens bien de ses couleurs vives, mais je l’ai vraiment fréquenté qu’à partir des années 60. Comme d’autres salles de Barbès, c’était un endroit où l’on pouvait voir des vieux films tranquillement, avec une atmosphère plutôt sympa. Une atmosphère populaire, animée, et parfois agaçante: ça se levait, ça parlait, et même parfois ça faisait d’autres choses plus « vivantes »… (rires) Mais ça m’agaçait parce que moi j’y allais pour le cinéma. C’est en partie à cause de ça que j’ai décidé que ma place au cinéma serait toujours dans les premiers rangs à droite. Comme ça, j’ai la paix ! Et c’est le cas encore aujourd’hui. J’allais tout voir dans ces salles du quartier Barbès, tous les films m’intéressaient, les nanars, des films italiens de troisième zone dont certains étaient remarquables d’ailleurs. Outre le Louxor, j’allais au Palais Rochechouart et au Trianon.

Vous connaissez ce quartier?

Dans les années 60, j’ai habité dans le 18e, rue Damrémont.

Que pensez vous de cette initiative de restaurer à l’identique un cinéma construit au début du siècle dernier ?

Il y  a eu quelque chose de très important qui est la naissance du cinéma en tant qu’édifice. Comme le cinéma était au départ forain, il a été très vite méprisé par la haute classe et les élites culturelles. Par ailleurs, le cinéma avait tué des centaines de personnes avec l’incendie du Bazar de la Charité[5] donc les films étaient projetés un peu n’importe où. À partir de 1903-1904, on a construit des salles de théâtre-cinéma, en d’autres termes des salles qui avaient pour fonction de tuer les salles de théâtre, du moins de leur faire concurrence. Il fallait offrir à de nouveaux spectateurs, plutôt issus du peuple, des salles qui pouvaient les frapper, non dans un style classique mais dans un style moderne, qui faisait dire à un public simple : ça au moins c’est pour nous! Ainsi entre 1904 et 1910, de façon très rapide, plus de 150 cinémas se sont construits en France. Et à chaque fois, l’on construisit des salles de plus en plus stupéfiantes: Le Normandie, le Gaumont Palace [ici] , le Rex et d’autres. Je fais une parenthèse en pensant à la relation salle de théâtre-salle de cinéma, aujourd’hui, il n’y a plus de rideau dans les salles de cinéma. Avant, les salles de cinéma possédaient un rideau, c’était une manière de conserver l’esprit du théâtre. Je me souviens bien de l’ouverture « théâtrale » du rideau du Gaumont Palace. C’était très étonnant. Il y avait aussi les attractions. On est au cinéma et on est aussi au théâtre, dans la concurrence et la continuité. En plus des attractions, il y avait les actualités. J’en ai d’ailleurs réalisé trois pour Gaumont au début des années 70, dont la vente aux enchères de l’orgue du Gaumont Palace !

Il est intéressant de voir comment tous ces cinémas se sont mis en place et comment ils ont été détruits par l’arrivée de la consommation, les multiplexes. Les multiplexes ont détruit la fonction même de ce type de cinémas, et donc leur architecture. Quand des cinémas étaient aussi marqués par leur architecture que le Louxor, cela devenait indispensable de détruire le style architectural d’une certaine époque, car cela voulait dire: c’est pour le peuple. Il fallait le masquer. Revenir aujourd’hui à cette architecture première, c’est magnifique. D’un point de vue architectural, mais c’est aussi un retour au sacre du cinéma tel qu’on a pu le connaître à cette époque-là, qui très significative de la mentalité et du style de vie de l’époque. Ce retour est donc capital, avec en plus un double avantage. Le public va être séduit par cette architecture ancienne avec ses couleurs chatoyantes, dont le côté moderne demeure par son aspect décoratif. Cela peut fasciner de nouveau les gens et les faire revenir dans un cinéma, qui est à la fois lieu de vie et lieu de projection. Pour ça, le Louxor est l’idéal.

Le style néo-égyptien art déco du Louxor est un véritable atout, cette salle est unique en France. Pour ce qui est du choix du style, un film comme Cleopatra d’Edwards n’y est certainement pas étranger…

Je pense que vous avez raison, j’ai un souvenir du film, cela correspond bien à l’esprit du film et de l’époque. C’était une période de foisonnement culturel. Le cinéma avait beaucoup d’importance et d’influence. C’est une époque où l’on s’est particulièrement intéressé, notamment dans le cinéma, à la représentation de l’Histoire, dans les décors, les costumes etc. C’est un mouvement que l’on va retrouver avec des salles comme La Pagode construite au début des années 30.

Habitants du quartier, cinéphiles, nous pensons qu’il est indispensable d’intervenir en amont, avec la population et les acteurs locaux, les amoureux du cinéma, du patrimoine etc. Le Louxor doit exister dès à présent, et pas uniquement à compter du jour de son ouverture… Quel est votre sentiment ?

C’est capital ! Ou bien on décide que le cinéma est fait pour la télévision et les DVD ; ou bien, on décide que le cinéma est fait pour la salle et, ensuite, pour s’en souvenir, on voit les films en DVD. Telle est ma conception : un film doit être vu en salle et ce travail est indispensable.

Je pense d’ailleurs que l’architecture égyptienne peut plaire, étant donné le côté arabe et maghrébin du quartier. Je suis très content de retrouver cette architecture, il faudra bien y faire attention ! C’est valorisant pour le quartier et ses habitants. C’est un lieu au carrefour de différents mondes, de part et d’autre du métro. Au croisement, se créaient les mélanges. Le bâtiment est visible, imposant, les habitants et les passagers du métro le remarqueront. Il attirera du monde. Il était devenu quelconque et caché et là il renaît dans sa splendeur. C’est formidable !

Qu’y verriez-vous au Louxor ?

Si vous êtes immédiatement trop Art et essai, c’est foutu. Si vous faites une salle Art et essai dans la salle moyenne, c’est pas bête. Des films anciens, dans la petite salle, que les gens auraient envie de revoir ou découvrir. Et dans la grande salle, des films plus grand public mais de qualité bien sûr. Il ne faut pas oublier, et revenir à l’idée, que c’est une salle de cinéma populaire, dans laquelle il faut des films populaires et de qualité. Un film comme The Artist par exemple qui a fait plus d’un million d’entrée, c’est une bonne surprise pour un film comme ça, ce n’était pas gagné d’avance.

Et parmi des films que vous avez vus récemment et qui vous ont plu?

Carnage de Polanski: j’aime beaucoup. La pièce de théâtre dont il est adapté est populaire, la mise en scène de Roman est tellement intelligente, mais il m’est difficile de dire si c’est un film populaire. Le Havre de Kaurismaki, c’est magnifique, mais je ne suis pas sûr que ça pourrait marcher dans la grande salle du Louxor, mais dans la deuxième salle ce serait très bien. Il a un côté populaire, beaucoup de gens peuvent se reconnaître dans cette aventure. Intouchables, que je n’ai pas vu, pourrait convenir sans doute, ce n’est pas déshonorant pour une salle de cinéma… ce n’est pas comme le dernier film de Clavier. Sinon au-delà de la question du Louxor, j’ai vu des choses intéressantes dans le cinéma français récemment, je pense par exemple au Jeanne d’Arc de Philippe  Ramos, ou encore L’Oiseau, le film de Caumon.

Une des salles du Louxor sera dédiée aux cinémas du monde…

Il y a un véritable foisonnement. Je pense à ce film iranien, Une Séparation, aux films de N.B. Ceylan, à des films africains, c’est une manière de revenir à ce qu’était le Louxor. Cette salle passait à une époque des films indiens, égyptiens. De la même manière, il est important de ne pas oublier les films de patrimoine. Si vous passez un chef d’œuvre du muet, ça passera très bien, Chaplin, Keaton ou encore Harry Langdon par exemple qu’on ne voit jamais. J’ai vraiment hâte de retrouver le Louxor.

Biographie de Jean Douchet sur Wikipedia [ici]

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[1] Il tient son premier rôle dans Les 400 coups de François Truffaut, dans lequel il joue l’amant de la mère du jeune Antoine Doinel. Ici, place de Clichy. [ici]

[2] Hitchcock de Jean Douchet, 316 pages, 1967, rééd. 1999, Editions Cahiers du cinéma.

[3] Revue concurrente des Cahiers du cinéma, créée en 1952. Cf. wikipedia [ici]

[4] Henri Langlois, fondateur de la Cinémathèque française. cf. wikipedia [ici]

[5] Incendie du Bazar de la charité [ici]

Réalisateur tchadien, Mahamat-Saleh Haroun a reçu le Prix du Jury au Festival de Cannes 2010 pour son film « Un Homme qui crie ». Depuis, les autorités de son pays ont pris conscience de l’importance de la création et de la diffusion du cinéma. C’est d’ailleurs dans le cadre des festivités du 50^ème anniversaire de l’indépendance du Tchad que le gouvernement tchadien a inauguré, en janvier dernier, la réouverture du « Normandie ». Une salle mythique de la capitale N’Djamena dans laquelle le cinéaste s’est largement investi. Très engagé pour le 7ème art dans son pays, Mahamat-Saleh Haroun évoque l’état du cinéma au Tchad, son attachement à ce lieu de partage qu’est la salle, ainsi que la mise en place d’une école de cinéma et son prochain film.

Entretien réalisé dans le cadre d’une soirée-projection* autour de son film Abouna organisée au Patio Opéra (9e).

« La salle de cinéma est pour moi un lieu sacré, exactement comme un temple, une mosquée, un lieu où se construit une mémoire collective. »

En 1999, vous avez réalisé le film Bye-Bye Africa, un film qui fait état, dans un contexte d’instabilité politique au Tchad, de la disparition des salles de cinéma. Comment définissez votre rapport à ce lieu ? Que représente-t-il ?

Mahamat-Saleh Haroun : C’est un lieu sacré, exactement comme un temple, une mosquée, un lieu où se construit une mémoire collective. Mais c’est un lieu ouvert à tous, contrairement aux lieux de culte, comme les mosquées ou autres qui ne sont ouverts qu’aux gens de même religion. La salle de cinéma est un lieu de communion pour tous. Donc détruire une salle de cinéma, pour moi, c’est comme commettre un crime. L’un de mes combats pour les années à venir, c’est de faire comprendre aux pays africains de ne pas accepter que les salles de cinémas se transforment en supermarché ou en église, ce qui arrive souvent. Il est nécessaire de les garder éternellement pour les générations futures amoureuses du 7e art, de les racheter pour que l’on en fasse des lieux d’amour du cinéma.

Photogramme du film « Bye Bye Africa » de Mahamat-Saleh Haroun, 1999.

Dans quel contexte, le projet de la réouverture du Normandie, auquel vous avez largement contribué, a-t-il été pensé ? Quel type de programmation a été mis en place ? La population est-elle impliquée dans le projet  ?

Il faut rappeler une chose. Pendant plus de trente ans, il n’y avait plus de salles de cinéma au Tchad. Cette salle-là a rouvert au mois de janvier, mais il faut dire que c’est une salle qui depuis toujours a été une salle de privilégiés. Les prix sont prohibitifs pour les gens qui n’en ont pas les moyens. Pour le moment, le public qui y va a les moyens d’y aller. L’entrée coûte à peu près trois euros. Mais il y a un désir et une volonté des politiques de rénover des salles à ciel ouvert qui permettent à un public beaucoup plus populaire, plus jeune surtout, d’avoir accès à des films.

Quand le Normandie a rouvert, la cérémonie était diffusée en direct à la télévision. Les gens qui regardaient la télévision, surtout des gamins, n’en croyaient pas leurs yeux. Alors, ils ont voulu voir, ils ont débarqué en masse pour participer à l’événement, et nous les avons laissés entrer gratuitement. C’est vous dire la force d’attraction d’une salle de cinéma. C’est un lieu de rassemblement, de communion. Ça brasse le monde entier, sans exception. C’est ça qui est formidable ! Pour moi, c’est important de sauver, de rouvrir une salle comme le Louxor. C’est triste une salle fermée. Je me souviens être passé plusieurs fois devant le Louxor lorsqu’il était à l’abandon. Le lieu dégageait une âme. Je venais à peine d’arriver : le lieu m’intriguait, il dégageait une âme en peine…

Inaguration du Normandie. Un reportage de France 24, à consulter (ici)

Quelle est la programmation du Normandie ? On raconte que des matches de football y seraient retransmis ?

Non, il n’y a pas de matches de football pour le moment. Mais pour les grandes occasions, cela permet de réunir la population. C’est vraiment la communion, partager des moments forts ensemble. Je me souviens qu’après avoir vu le film La Fièvre du samedi soir, à N’Djamena, dans les années 1980, on avait l’impression, mes copains et moi, d’être reliés au reste du monde. On voyait les mêmes images que le reste du monde. Et quand la guerre est arrivée, on avait encore des choses à partager autour du film, alors que nous étions réfugiés au Cameroun. Voilà comment le cinéma peut, à un moment donné, vous rassembler. Jean-Luc Godard disait « Le cinéma fabrique des souvenirs », cette citation, je l’ai reprise dans Bye-Bye Africa…

La programmation du Normandie est assurée par un ami, Issa Serge Coelo, lui-même réalisateur [notamment de N’Djamena City en 2008,  ndlr] : près de cinq films par mois, un film européen, un film africain, un blockbuster, un film de Bollywood et un film pour le jeune public. L’idée est de proposer un large éventail au public.

Après votre prix du jury à Cannes pour Un Homme qui crie, le gouvernement tchadien a mis en place un fonds de soutien au cinéma et à l’audiovisuel. Vous avez été sollicité pour l’ouverture d’un centre de formation. Où en sont ces projets?

En ce qui concerne l’école de cinéma, on a des plans dessinés par un architecte sénégalais Boubacar Seck. On travaille actuellement sur l’appel d’offre et les travaux ne vont pas tarder à commencer. L’ouverture de l’école est prévue pour 2013. On essaye de trouver quelques partenariats avec des écoles européennes pour éventuellement envoyer les meilleurs étudiants de troisième année, à l’étranger, en France, en Belgique par exemple afin de leur permettre d’élargir leurs connaissances. Le fonds pour la production audiovisuelle, alimenté par une redevance sur les communications des téléphones portables, quant à lui, permet de financer des projets. Souvent, les jeunes Tchadiens qui travaillent au Tchad ne sont pas formés, donc on les aide à commencer, à monter leur projet. Il y a une volonté d’accompagner le cinéma.

Grâce au prix reçu à Cannes, les politiques ont compris que le cinéma pouvait complètement changer l’image d’un pays dans le monde. Jusqu’à présent, le Tchad, c’était la guerre. Même si mon film parle de cette guerre, il n’empêche qu’il est reconnu comme une œuvre et non comme un acte de guerre. Je crois que ça, c’est déjà pas mal pour le pays !

Bande-annonce du film « Un homme qui crie » de Mahamat-Saleh Haroun, 2010.

Vous avez rencontré le Président Idriss Deby.

Oui, je l’ai rencontré à sa demande, il était fier pour le Tchad. C’est comme cela qu’on est arrivé à l’idée de créer une école, en tout cas, c’était de sa volonté. On est en train de travailler là-dessus. J’espère vraiment pouvoir former des gens capables de raconter la suite de l’histoire aux Tchadiens et au reste du monde.

Le destin du Normandie, à N’Djamena, s’apparente à celui du Louxor, à Paris, dont l’ouverture est prévue pour le printemps 2013. Comment êtes-vous au courant de la réhabilitation de la salle parisienne ?

J’ai entendu parler des travaux et j’ai vu que le Louxor allait rouvrir. C’est vrai que cela change toute la perspective du quartier. C’est un lieu de lumière de plus dans Paris. C’est très bien, parce que cela va, peut être, aussi attirer une population qui n’a pas accès aux salles de cinéma dans les alentours. Quelque part, il y a une résonance entre le Louxor et le Normandie : ils ont été fermés dans les années 1980. On pourrait envisager un partenariat entre ces deux salles, ce serait formidable !

La façade du Normandie A. Guillot © Radio France

« La réouverture du Louxor, c’est un cri d’amour au cinéma »

Situé  au carrefour de Barbès, dans un quartier populaire, le Louxor proposera notamment une programmation autour des « cultures du Sud ». Qu’est ce que cela vous inspire ? Que souhaiteriez-vous y voir projeté ?

J’aurais tellement de suggestions et d’envies que je ne peux pas tout dire ! Mais c’est une très bonne proposition de la part de la Ville de Paris. La réouverture du Louxor, c’est un cri d’amour au cinéma. C’est formidable de se dire que les cinémas du monde ont leur salle à Paris… Désormais, on pourra aller y voir un film salvadorien, tchadien, ou singapourien… Pour moi qui ai présidé le Fonds Sud Cinéma (un organisme public chargé d’aider la diversité cinématographique dans le monde, ndlr) pendant deux ans de 2007 à 2009, c’est une excellente nouvelle.

On dit cinéma du Sud, c’est très large. C’est en dehors de l’Occident en résumé.

Le Louxor pourra devenir le ciné-club du cinéma du monde pour tous ceux qui s’intéressent à ce qui vient d’ailleurs. C’est bien que Paris puisse proposer cela. Je suis arrivé à Paris en 1982 et lorsque je regardais le programme des salles de cinéma, j’avais l’impression que les images du monde entier m’étaient offertes. C’est bien que le Louxor soit l’adresse des cinémas du monde.

Vous nous avez dit être déjà passé devant le Louxor. Aviez-vous remarqué cette architecture particulière ?

Pendant un temps, j’ai habité rue de Clignancourt. Il y avait quelque chose d’étrange dans cette architecture-là. Louxor, ça me faisait penser à l’Egypte. Je me demandais ce que ce Louxor faisait en plein milieu de Paris.

L’architecture du Louxor-Palais du cinéma est d’inspiration néo-égyptienne à la mode art déco…

J’espère que le Louxor continuera à s’appeler le Louxor !

Pouvez-vous nous parler de votre prochain film ?

Mon prochain film doit se passer au Tchad. C’est l’histoire d’un jeune danseur handicapé d’une jambe, qui arrive tout de même à danser. Il se produit une rencontre complètement folle entre ce danseur et une jeune prostituée. Confrontés à des problèmes, ils fuient la capitale. Ils se réfugient dans la région des champs de coton. Ils s’aiment passionnément. Les corps noirs au milieu des champs de coton blanc. Le contraste… Je pense le tourner dans un an.

On vous retrouvera peut-être au Festival de Cannes dans quelques années alors. Et, qui sait, au Louxor… on vous le souhaite !

Pourquoi pas ! Avec plaisir en tout cas. (rires)

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Filmographie de Mahamat-Saleh Haroun

2010 Un homme qui crie - Prix du jury du Festival de Cannes 2010
2008 Sexe, gombo et beurre salé (Téléfilm)
2006 Daratt – Saison sèche – Prix spécial du jury, Mostra de Venise 2006 ; Etalon de bronze de Yennenga, FESPACO 2007
2006 Kalala (documentaire)
2004 Scénarios d’Afrique: L’arbre et le vent (court-métrage)
2004 Scénarios d’Afrique: Autour de notre fils (court-métrage)
2001 Letter from New-York City (court-métrage) Prix de la meilleure vidéo, Festival du cinéma africain de Milan 2001
2002 Abouna (notre père) – Quinzaine des réalisateurs, Festival de Cannes 2002 ; Prix pour la meilleure image, FESPACO 2003
1999 Bye Bye Africa (documentaire) – Prix du Meilleur premier film, Mostra de Venise 1999 Prix du meilleur premier film, Festival du cinéma africain de Milan 1999 ; Prix du Meilleur film, Festival International du Film d’Amiens 1999
1998 Un thé au Sahel (court-métrage)
1995 Bord’ Africa (documentaire)
1995 Goï-Goï (court-métrage)
1995 Sotigui Kouyaté, un griot moderne
1994 Maral tanié (court-métrage)

Pour en savoir plus sur les salles de cinémas au Tchad (ici).

* Le ciné-club du Patio opéra (ici) est organisé par Valérie Saas et animé par Jean-Michel Frodon. Chaque mois, découvrez un film en présence de son réalisateur. Après Alain Cavalier, Bertrand Bonello, Mahamat-Saleh Haroun y a présenté, le 11 octobre, son film Abouna.

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Merci à Fatima Souab.

"Himmelskibet" (1918) de Holger-Madsen. Pour l'amitié entre les peuples.

En avril dernier, nous vous faisions découvrir en exclusivité le programme et le film projeté lors de l’inauguration du Louxor, le 6 octobre 1921. “A 14 millions de lieues de la Terre” (Himmelskibet / A Trip to Mars)[1] du réalisateur Danois Holger-Madsen. Une Ciné-fiction présentée pour la première fois à Paris le lundi 29 août 1921 à 14h. au Palais de la Mutualité (Salle du 1er étage) comme nous l’indique avec précision le n°147 de La Cinématographie Française (27 août 1921).

Pour le 90ème anniversaire du Louxor-Palais du cinéma (6 octobre 1921-2011), nous vous proposons en détail le programme de la soirée, les films et actualités Gaumont, à travers quelques coupures de presse de l’époque et un extrait de films.

“A 14 millions de lieues de la Terre” (Himmelskibet) de Holger-Madsen (1918)

Orchestre (20 musiciens + orgue électrique Abbey), sous la direction de M. Rémond[2].
Consultez les articles consacrés au film de l’inauguration du Louxor (ici), (là) ou encore (là)

Métempsycose (The Star Rover) de Edward Sloman (1920)

D’après le roman de Jack London (1915), Le vagabond des étoiles (The Star Rover)

Production : Frank Brockliss Pictures [et/ou C.E. Shurtleff Inc.]

Avec : Courtenay Foote (Willam Lodge / Dr. Hugh Standing), Thelma Percy (Faith Levering), Pomeroy Cannon (Walter Dastorg / Inspector Burns), T.D. Crittenden (James Dastorg / District Attorney), Jack Carlyle (Sergeant Andover), Chance Ward (Tubbs), Marcella Daly (Maizie)

Grande scène dramatique en 5 actes (1 350 m. Dist°. : Cinématographes Harry)
Présentation corpo[3]. : Samedi 20 août 1921[4], 10 h, Ciné Max Linder

Ce film intéressera surtout les adeptes du spiritisme (et ils sont nombreux !). Voici, brièvement, le scénario de cette bande tirée du roman de Jack London : William Lodge est accusé du meurtre de son adversaire politique, l’avocat James Dastorg, crime qu’il n’a pas commis. Le frère de la victime, Walter Dastorg inspecteur de police (entre nous, le mot brute lui conviendrait mieux) veut, à tout prix, faire avouer à Lodge le meurtre dont il est innocent. Walter fait subir à l’infortuné accusé la pendaison par les pouces. Une seconde fois, cette horrible torture est renouvelée et chaque fois, l’âme de William revit les événements précédant son arrestation. Par l’auto-suggestion, on découvre le coupable et tout fini bien…

Le scénario est bien découpé, l’intérêt ne languit pas et la mise en scène est excellente comme l’interprétation. Nous voyons des scène de café-concert qui sont admirablement réglées et dont nos metteurs en scène français feront bien de prendre de la graine !

Lucien Doublon
Ce que l’on verra prochainement / Cinémagazine, n° 38, 7 octobre 1921, p. 27 (Incl. Ph.)

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Gaumont-Actualités n° 41a

(200 m. env. Dist.° : Comptoir Ciné-Location Gaumont)
Présentation corpo. : Mardi 4 octobre 1921, 14 h30, Gaumont-Palace[5]
Ordre de diffusion et durée.

• FRANCE. Le Club des Cent visite les grands crus bordelais à Saint-Emilion.
(00:00:44)

• Le pilote français Kirsch a gagné la coupe d’aviation Deutsch de la Meurthe à la vitesse record de 278 km à l’heure. Le départ de Sadi-Lecointe. Sadi-Lecointe casse en plein vol son hélice, brise son appareil et se blesse. Tour à tour les pilotes Crakpa, italien, James Herbert, anglais, Lasne et Kirsch, français prennent le départ. L’appareil de Kirsch et le vainqueur de la coupe.
(00:01:13)

• PARIS, FRANCE. Le Général Pershing remet au Soldat français Inconnu la médaille d’honneur du Congrès américain. Le chef des armées américaines épingle la médaille. Le défilé des troupes.(00:01:08)

• ARRAS, NORD, PAS-DE-CALAIS, FRANCE. Une grande manifestation sportive organisée par la Fédération nationale des sociétés d’éducation physique et de préparation au service militaire s’est déroulée sous la présidence de Monsieur Lefebvre du Prey, ministre de l’Agriculture.
(00:01:55)

• VENDEE, SAINTE-HERMINE. Georges Clémenceau inaugure dans son pays sa propre statue.
(00:00:52)

• ITALIE. L’anniversaire de la percée du tunnel du Mont Cenis. Après avoir été reçues à Turin en présence de Sa Majesté Victor Emmanuel III, les autorités françaises conduites par Monsieur Paisant assistent à l’entrée du tunnel à la cérémonie commémorative.
(00:00:52)

• ROUMANIE. Le prince Carol préside à l’inauguration de l’Exposition de Bucarest.
(00:01:26)

• COPENHAGUE. Au retour de sa croisière au Groenland le roi du Danemark Christian X s’entretient avec l’ambassadeur de France.
(00:00:50)

• ANGLETERRE, GRANDE-BRETAGNE : Les phoques savants en partance pour l’Amérique s’entrainent à bord du bateau à la grande joie de l’équipage.
(00:00:33)

• ETATS-UNIS. Près de Chicago on découvre un certain nombre d’automobiles précipitées au fond d’un lac par leurs propriétaires qui s’étaient au préalable assurés contre le vol.
(00:00:35)

• Douglas Fairbanks et Mary Pickford à Paris.
(00:02:50)

• ETATS-UNIS, NEW JERSEY. Le paquebot « Leviathan » a manqué d’être détruit par un incendie qui a complètement dévasté les docks d’Haboken.
(00:00:41)

• Mode numéro 58. Nos grandes artistes. Mademoiselle Fernande Diamant de l’Opéra Comique lance la mode d’automne au bois. Une robe en drap ceinture basse en velours bleu. Un manteau cape en velours noir bordé de fourrure. Un chapeau original garni de broderie et coquillages.
(00:01:12)

• Pour les sept salles Gaumont. Les grandes épreuves automobiles. La course de côte de Gaillon. Darmont sur cyclecar « Morgan » se classe premier en escaladant la côte à l’allure vertigineuse de 100 km à l’heure. Artault sur « Voisin » grimpe Gaillon à près de 120 km à l’heure et fait le meilleur temps des voitures de tourisme.
(00:00:54)

• FRANCE. Le palais de la nouveauté, magasin Dufayel à Paris, qui est le palais du meuble vient d’organiser sa 2ème exposition de l’ameublement et de l’art décoratif. Quelques installations du home qui comprennent 95 stands avec figures. Installation du Palace Hôtel. Un coin de la section des agencements industriels.
(00:01:08)

• ALLEMAGNE. Le Général Pershing à Mayence.
(00:04:46)

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Pour un corset (Betty’s Green-Eyed Monster) de Arvid E. Gillstrom

Production : Muriel Ostriche Productions / Arrow Film Corporation

Avec : Muriel Ostriche (la jeune femme), Barbara Sabin[6].

Comédie fine en deux parties. (685 m. Dist.° : Select Distribution)
Présentation corpo. : Lundi 22 aout 1921, 9 h. 45, Cinéma Sélect.[7]

Pour un corset, est une comédie gaie, jouée avec légèreté et qui ne manque pas de qualités comiques. Le mouvement est rapide, le scénario est bien découpé et, de l’ensemble, se dégage une note très amusante. Ce film qu’interprétait Betty Green Eyes, a beaucoup plu au public. Il est vrai que ce genre de films est rarement bien réalisé et nous n’avons pas trouvé, en France, la clef de ce problème.

Lui… sur des roulettes
(Don’t Shove[8] [Poussez pas !]) d’Alfred J. Goulding [& Hal Roach] (1919)

Production : Rolin Films (Hal Roach)

Avec : Harold Lloyd (Le garçon), Bebe Daniels (La fille), Bud Jamison (Un soupirant), Gus Leonard (Un autre soupirant), Dee Lampton (Un gros patineur), Noah Young (Le dur ‘‘pleurnicheur’’), “Little” Sammy Brooks (l’invité de la réception), Lige Cromley, Marie Mosquini, James Parrott, Fred Newmeyer, Wallace Howe, E.J. Ritter, Chase Thorne, George Marks, H.L. O’Connor, M.A. Laswell, Estelle Harrison, Orland Bush, Leona fay, Gladys Leslie, Ethel Erwin, Catherine Surtees, Dorothy Terry.

Comique. (235 m. Dist.° : Pathé-Consortium-Cinéma)
Présentation corpo. : Mercredi 31 août 1921, 9 h. 30, Palais de la Mutualité[9]

Lui, sur les roulettes, est une fantaisie comique dans laquelle Harold Lloyd dépense le meilleur de son talent. Tout le monde connaît l’homme aux lunettes d’écaille dont on rencontre quelques sosies sur le pavé parisien, et qui fait la joie de toutes les salles de cinéma. C’est l’anniversaire de Bebe. Harold et ses rivaux vont se confronter pendant la fête, il sera mis dehors. Plus tard, tout le monde se retrouve à la patinoire chaussé de patins à roulettes où est organisée une course d’obstacles. Malgré sa maladresse, Harold va la gagner, avec en prime le coeur de Bebe.

NOTES : Dans ce court métrage ‘‘Snub’’ Pollard n’apparaît pas. Lloyd montrera dans ‘‘Don’t Shove’’, un minimum de grâce sur les patins à roulettes, le rôle l’exigeait et c’était voulu. Sa réputation d’athlète né, n’en fut pas entachée. Loin s‘en faut, et il fallait qu’il fut un excellent patineur pour paraître si maladroit devant la caméra[10].

Merci à l’ami Jacques Poitrat.

[1] Alias 400 Million Miles From Earth (1918), Der Himmelschiff, The Airship (1918), Fourteen Million Leagues From Earth (1918), A Ship to Heaven, Heaven Ship (1918), Sky Ship (1918)

[2] A ce sujet, lire l’article de Jean-Jacques Meusy “Lorsque l’orgue s’invita au cinéma” (ici) http://1895.revues.org/pdf/219

[3] Présentation aux professionnels

[4] La Cinématographie Française, n° 145, 13 août 1921, p. 72 + [PUB] n. p. [p. 20-21]

[5] La Cinématographie Française, n° 152, 1er octobre 1921, p. 83

[6] Q. David Bowers, Muriel Ostriche, princess of Silent Films © 1987 The Vestal Press, Ltd, Vestal, NY 13 850, p. 199.

[7] La Cinématographie Française, n° 146, 20 août 1921, p. 74.

[8] 4 août 1919 ; LU 14025

[9] La Cinématographie Française, n° 147, 27 août 1921, p. 83

[10] Georges d’Acunto (Université de Metz), Filmo. Harold Lloyd

« J’ai deux mots à vous dire… » Rencontrés dans un couloir, une rue, une salle de cinéma, sur un marché, ils vivent dans le quartier non loin du Louxor, à Paris ou ailleurs. Nous leur volons un court instant… le temps d’échanger quelques mots et de prendre une photo.

C’est au balcon du cinéma parisien le Club de l’Etoile que nous avons rencontré le chanteur-acteur fantasque Philippe Katerine et le réalisateur et critique de cinéma Thierry Jousse à l’occasion de l’avant-première du film « Je suis un No man’s land » (en DVD ce mois-ci*[1]) organisée avec PARIS-LOUXOR pour l’ouverture de son site internet.  En attendant de les voir un jour s’installer au bar du Louxor et de poursuivre cette conversation, ils se sont prêtés au jeu de l’interview impromptue et décalée, pour échanger sur le film… non, à moins que ce soit sur la future salle de Barbès le Louxor, celui de la chanson… ? En exclusivité, Katerine nous dévoile l’origine du titre « Louxor, j’adore » qui fit tant parlé du Louxor… tandis que Thierry Jousse clame son enthousiasme pour la réouverture d’un cinéma dans –son- quartier. Entretien feutré, quiproquo, confidences de cinéma, impressions sur le projet et douce complicité.

Philippe Katerine, Thierry Jousse, j’imagine que vous connaissez le Louxor… ?

Philippe Katerine : Oui, je le connais, je passais tout le temps devant lorsque je prenais le métro aérien. Ça fait longtemps qu’il existe, n’est-ce pas ? Depuis les années…

1921 oui. Il rouvrira en 2013 et va redevenir un cinéma.

Philippe Katerine : Ah je me suis toujours demandé ce qu’était ce lieu abandonné, il y avait toujours plein de pigeons au-dessus. J’ai appris que ça allait servir à quelque chose…

Thierry Jousse : Moi je n’habite pas très loin, je suis donc un peu au courant de ce qui est en train de se faire, c’est une bonne chose… si j’habite encore au même endroit lorsqu’il rouvrira… Je n’ai jamais réussi à habiter dans un quartier où il y avait un cinéma à proximité, où je pouvais aller à pied. J’imagine que ce sera une salle… « baroque » ça me plait assez qu’elle ait un style particulier.

Philippe Katerine : C’est une bonne nouvelle pour toi !

Philippe Katerine, votre chanson « Louxor, j’adore », parle du Louxor… ? Vous pouvez nous raconter son histoire ?

Philippe Katerine : À oui… à chaque fois que je passais devant le métro aérien, je pensais forcément à ma chanson. Mais ça ne vient pas de là… le Louxor de la chanson, c’est une boite de nuit à Clisson dans la campagne nantaise ! d’ailleurs cela s’écrit : « Looksor »…

C’est amusant car le Louxor de Barbès a également été une grande boîte de nuit gay dans les années 80. C’est même ce qu’il était la dernière fois qu’il a été ouvert au public.

Philippe Katerine : Ah oui ?! Je l’ignorais !

Thierry Jousse : Ah bon ? Il faut dire que je n’ai pas beaucoup fréquenté les boîtes de nuit gay dans les années 80 donc ça m’a sans doute échappé et je pense que j’ai eu grandement tort !

Que pensez-vous du projet de réouverture du Louxor comme cinéma de quartier, comme cinéma dans la ville ?

Thierry Jousse : On peut difficilement en dire du mal. A priori, l’ouverture d’une salle de cinéma est une initiative louable. Je ne sais pas du tout quel type de lieu ça va être et c’est difficile de le savoir mais je trouve qu’il est important de réactiver des lieux qui ont une histoire. Par principe, je suis pour. On m’a déjà invité aux visites du lieu (en chantier) auxquelles je n’ai malheureusement pu me venir… Donc peut-être que la prochaine fois que l’on m’invitera pour une visite, cette fois-ci je pourrais m’y rendre… et y prendre un verre puisque vous organisez des apéros ! [2].

Philippe Katerine : Il y aura donc un « bar du Louxor »… !

Oui, il y aura un café –club et une petite salle d’exposition.

Thierry Jousse : En fait, c’est à nous de vous poser des questions ! Ça va être rénové au plus proche de l’original ? Il y aura une salle, plusieurs salles ?

Oui, la Ville de Paris et l’architecte souhaitent qu’il retrouve sa décoration originale de style néo-égyptien, il y aura trois salles. Avez-vous une salle de cinéma fétiche ?

Philippe Katerine : À vrai dire… non, pas vraiment. Si, peut-être un… le premier où je suis allé : l’Accatone. Les premières fois sont toujours des souvenirs qui restent… sauf que là je ne me souviens plus exactement du film vu ! C’était avec un dessinateur, il était d’ailleurs présent à cette séance, c’est pour moi un bon souvenir.

Thierry Jousse : J’ai l’impression que c’est plus difficile d’avoir des salles fétiches aujourd’hui à Paris parce qu’il n’y a plus beaucoup de salles uniques. Il y a des circuits et je n’ai pas l’impression qu’il y ait beaucoup de salles capables de créer une sorte d’attachement, de fétichisme autour d’elles. C’est, du coup, peut-être plus compliqué d’avoir un rapport personnel ou affectif avec un lieu de cinéma.

Qu’attendez-vous d’une nouvelle salle de cinéma ?

Thierry Jousse : Qu’elle programme des films que j’ai envie d’aller voir puisque cette fois-ci, j’habite à côté ! Et c’est ça la difficulté de l’opération ! J’aimerais bien trouver un lieu à Paris dans lequel j’ai un rapport de confiance et pas seulement avec la programmation ; où je me dis tiens j’y vais autant pour aller voir un film que pour fréquenter un lieu, d’ailleurs ça se fait beaucoup en province.

Philippe Katerine : Ah oui, c’est vrai ça, c’est très vrai ! Il faut faire confiance au lieu.

Thierry Jousse : C’est vrai en province, c’est beaucoup plus présent : d’ailleurs, quelle que soit la programmation, bon on y va. Et je n’ai pas réussi à trouver vraiment ça à Paris.

Un peu plus qu’un lieu de cinéma… un lieu de vie ?

Thierry Jousse : Si possible. Donc oui, moi j’en attendrais ça en tout cas. Qu’il soit un peu… vivant, enfin, pas un hall de gare !

Philippe Katerine : Tu es bien exigeant !

Thierry Jousse : Je suis riverain, je te signale ! Donc en tant que riverain, j’ai le droit d’avoir des exigences ! Toi qui n’est plus riverain, ça te concernera moins directement.

Philippe Katerine : Non non pas tout à fait, ça va m’intéresser de très près. Enfin c’est une programmation spécifique ou … ?

L’exploitant n’a pas encore été désigné, mais la salle sera classée art et essai et le cinéma du monde devrait y avoir une place.

Philippe Katerine : Une espèce de Festival des 3 continents à Paris. Intéressant. Passionnant. Idéal.

Quelle est votre programmation idéale ? Qu’aimeriez-vous y voir ?

Thierry Jousse : Oh ! « Je suis un no man’s land » ! (rires)

Philippe Katerine : Je dirais un mélange de Brady et d’Action Ecole (Ndlr Jean-Pierre Mocky a annoncé en exclusivité à PARIS-LOUXOR qu’il se séparait du Brady pour reprendre l’Action Ecole [lien]), avec une programmation alliant classiques, westerns, un peu de pornos, ce genre de mélange me plairait bien !

Thierry Jousse : Je suis plus partagé. Je le dis car je pense qu’il serait bien justement de casser un peu les codes, de déclassifier même la notion d’ « art et essai », ce n’est pas toujours une catégorie que j’affectionne. J’aimerais bien que ce soit un peu plus ouvert, qu’il y ait moins de cases.

Plus « grand public » ?

Thierry Jousse : Pas forcément en fait. Dans le temps, il y avait Henri Langlois, il disait « les films naissent libres et égaux », je ne sais pas si c’est toujours vrai mais ça reste un beau projet en tous les cas.

Philippe Katerine : Ah… quelle belle utopie…

Thierry Jousse : Ce pourrait être la « déclaration universelle du Louxor » ?!

Philippe Katerine : Oui, c’est bien ça ! Tous les films avec le même nombre de copies.

Thierry Jousse : Absolument voilà ! Une limitation. Il faudrait inventer un système qui permettrait de  déhiérarchiser un peu les genres.

D’autant plus qu’on parle de Barbès, un quartier mixte…

Thierry Jousse : Oui et je suis bien placé pour en parler. J’habite à mi chemin entre Montmartre et Barbès. Mais c’est un drôle de quartier Barbès, c’est toujours très… speed.

Philippe Katerine : Oui, très speed.

Une salle de cinéma dans un quartier c’est un lieu, du temps partagé…

Philippe Katerine : Oui, on y fera une pause. Au moins un petit quart d’heure ! (rires)

Agrandir le plan

[1] Le film Je suis un No man’s land de Thierry Jousse avec Philippe Katerine est paru en DVD le 1^er juin 2011.

[2] PARIS-LOUXOR organise des apéros et pots de rencontres dans le quartier Barbès, le prochain se tiendra le 7 juillet au Point Éphémère

Les entretiens hors-champ s’engagent à faire ressurgir des figures et des lieux par le simple moyen de l’évocation et du collage. Ces conversations imaginaires tissent un réseau d’analogies et de correspondances entre temps et espaces éloignés.

"La reproduction interdite" de René Magritte / Edward James

Mr James entre par la grande porte tournante de l’hôtel, dans le scintillement des vitres et des finitions en cuivre poli. Je lui fais signe. Avant de s’installer, il sourit, nettoie le cuir du fauteuil avec un chiffon qu’il sort d’une poche invisible, me serre la main et puis asperge les siennes d’un produit désinfectant sorti de je ne sais d’où.

—-

Edward James : Enchanté, mademoiselle.

Antonia Maggia Gilardino : Mr Edward James, votre nom n’est pas seulement associé à une fortune immense que vous avez dévoué au mécénat des arts et à la beauté, mais aussi au curieux projet d’une forêt tropicale transformée en parc aux merveilles.

EJ : Vous savez, aussi loin que nous allons, nous y allons avec nous-même.

AMG : Je vois. Donc, après une jeunesse plutôt mouvementée, vous avez passé les dernières trente années de votre vie confiné à las Pozas, cet immense jardin peuplé de petites folies d’architecture, et de sculptures inspirées d’éléments surnaturels. Que représente pour vous cette nouvelle vie au Mexique ?

EJ : Depuis quelques années, en effet, je ne fais confiance qu’aux plantes et aux animaux. Même les artistes m’ont déçu. D’ailleurs, ne serai-je autosuffisant, dans ce champ-là ?

AMG : Mr James, vos projets sculpturaux possèdent une allure étonnante. Mais venons donc au vif du sujet, puisque vous l’esquissez vous même. Quels ont été vos rapports avec le célébrissime peintre Magritte ?

EJ : En 1937, j’invitais René Magritte chez moi, pour qu’il y réalise des fresques.

AMG : C’est donc à ce moment-là qu’il réalisa « La Reproduction Interdite » ?

EJ : Il n’était pas prévu qu’il réalise ce tableau-là. Mais j’ai bien dû l’embêter, je crains, en l’observant travailler, puisqu’il me demandât à plusieurs reprises, très poliment, de lui tourner le dos.

AMG : Mais, Mr James, vous sous-entendez que ce merveilleux chef d’œuvre serait donc le fruit d’une inimitié ?

EJ : Magritte était doué d’une étrange ironie. De plus vous savez, mon humour british et son humour belge…  Somme toute, je n’ai jamais compris s’il ne s’agissait en fait qu’une façon de détourner une commande qui l’embêtait. Et puis, je ne suis tout de même pas très beau.

Ici, j’ouvre une parenthèse. Edward James est un des hommes les plus avenants que j’aie rencontré de toute ma carrière. Ses traits fins et son front large trahissent les origines aristocratiques ; un vrai visage à portrait.

AMG : Mais vous vous méprenez peut être … je connais une petite anecdote qui donnerait une différente tournure à votre histoire, si vous me le permettez.

EJ : Allez-y donc, mademoiselle.

AMG : J’ai bien cru lire, dans une biographie, que vous vous amusiez à suivre des inconnus, dans les rues de Windsor, lors de vos études.

EJ : Quel souvenir ! Je m’en rappelle maintenant, nous jouions aux espions.

AMG : Vous étiez donc fasciné par cette vue inversée, ce cadrage de gens de dos ?

EJ : Étonnante, étonnante intuition, ma chère ; en effet, toute cette activité était basée sur le pur plaisir de l’observation. Et puis, voyez-vous, je me suis toujours méfié des regards directs. Un dos peut bien plus communiquer.

AMG : D’ailleurs, il parait que votre future femme, la danseuse Tilly Losch, remarqua de vous en premier la nuque, lors d’une séance de cinéma …

EJ : Oui, c’est bien ça ; elle m’attaqua de dos, et ensuite, elle me brisa le cœur. Mais n’évoquons pas cela, je vous en prie, ou je m’en irais.

AMG : Ne vous inquiétez pas, Mr James, je ne puis évoquer qu’un esprit par séance, de toute façon. Revenons aux portraits de Magritte, puisqu’il en existe un autre, datant de la même année. Dans celui-ci, votre visage est occulté par une sorte de boule de feu …

Le principe du plaisir de René Magritte

EJ : Curieux, n’est ce pas ? … mais passons à autre chose, voulez-vous ? Aimez-vous les perroquets ? Au Mexique, j’ai développé une vraie passion pour ces charmants volatiles.

AMG : Monsieur, vous semblez esquiver le sujet, tout comme vous esquivez mon regard …

EJ : Je vais être sincère avec vous. Ces tableaux me hantaient. J’ai toujours essayé d’être aimé, moi, de communiquer. Je suis devenu un solitaire par dépit, alors, de me voir tout seul là-dedans, sans même pas mon propre reflet pour discuter, cela me perturbe, somme toute.

AMG : Pardonnez-moi, Edward. Ce n’était pas mon intention de vous faire de la peine.

EJ : C’est n’est pas de votre faute, mademoiselle. Je suis un rêveur, un romantique. Je vous laisse avec un de mes petits poèmes.

I’m in love with love, but have no lover;

The days go by and the winds blow over,

The breeze has brushed the scent from the clover ;

I’m in love with love and have no lover.

Après avoir conquis le public au Centre Pompidou, le cinéaste Michel Gondry projette d’installer son Usine de films amateurs à Aubervilliers. Petite promenade à Barbès, visite du Louxor et conversation autour du cinéma dans un bistrot du quartier.

Michel Gondry sur le chantier du Louxor-Palais du cinéma

« Je pars toujours du principe que la créativité est partout »

Durant plus d’un mois[1], Michel Gondry a installé au Centre Pompidou son Usine de films amateurs, qui a permis à tout un chacun de réaliser gratuitement son propre film dans un vrai décor de cinéma. Scénariste[2], cinéaste[3], réalisateur de clips vidéo[4], de publicités[5], batteur du groupe Oui-Oui, l’ingénieux créateur vit aujourd’hui entre New York et Paris, où il s’installa au début des années 80 non loin du carrefour Barbès. Michel Gondry nous parle du Louxor et de son influence, de son rapport au cinéma et à sa pratique, ainsi que son projet d’installation permanente de l’Usine de films amateurs à Aubervilliers en banlieue parisienne.

Nous venons de visiter le chantier du Louxor, vous pensez que c’est important pour le quartier une salle de cinéma ?

Ce projet de réhabilitation du Louxor est important, il va notamment permettre de désenclaver le quartier, mais je me demande si cela ne va pas en même temps le gentrifier [6]… Il faudra vraiment faire attention à cela.

Visite du chantier du Louxor-Palais du cinéma

C’est un sujet d’actualité, le maire de Paris a le projet d’encadrer les loyers…

C’est important de conserver les équilibres… D’ailleurs, en pensant à votre projet dans le quartier, je vous invite à lire ce qu’écrivait l’activiste américaine Jane Jacobs dans son livre Déclin et survie des grandes villes américaines (The Death and Life of Great American Cities). Je ne lis pas beaucoup, mais j’ai lu suffisamment d’elle pour savoir qu’elle avait étudié de manière extrêmement détaillée tous les mécanismes qui font qu’une ville vive ou meurt.

Pour la resituer, Jane Jacobs a sauvé New York en s’opposant au programme de l’urbaniste Robert Moses, qui avait un projet de voies rapides[7] dans les années 50-60. Ces autoroutes auraient dû traverser l’île de Manhattan et totalement massacré l’équilibre de la ville.

MG prend une serviette de table et dessine l’île de Manhattan
traversée par les autoroutes et indique les habitations menacées.

A Manhattan, il y avait des quartiers populaires considérés par les politiques de l’époque comme des délaissés, presque des bidonvilles, qu’ils souhaitaient éradiquer pour faire passer ces voies rapides. Jacobs s’est battue avec les habitants afin d’empêcher la destruction programmée de ces zones d’habitation. Moses considérait qu’en ouvrant littéralement la ville à la circulation, cela accélérerait le développement économique. Il réussit toutefois à construire l’autoroute nord et fut arrêté dans son élan, pour l’autouroute sud, par les opposants au projet.

Avant, le Bronx était un quartier d’une grande mixité où régnait une bonne ambiance. En réalisant cette tranchée nord, ils ont fait sauter un nombre important d’immeubles, mais cela a eu aussi pour conséquence de déstabiliser l’équilibre qui pré-existait. Le sud du Bronx est désormais une zone difficile.

Le projet de Moses ne tenait pas compte des habitants, du quartier…

Jane Jacobs l’explique dans son l’ouvrage : pour qu’un quartier ou une rue vive, il faut s’appuyer sur la mixité, urbaine, sociale et économique, que le haut de gamme côtoie les classes populaires. Son livre est important, et me fait penser  à ce travail autour du Louxor, dans le quartier et avec la population, que vous êtes en train d’entreprendre.

Vous semblez bien connaître le quartier Barbès, la Goutte d’Or…

J’ai habité rue Labat à partir de 1983, l’année de la fermeture du Louxor, puis rue Clignancourt, ensuite rue du Poteau, et aujourd’hui j’habite du côté de la rue Caulaincourt. On a tourné La Science des rêves dans l’immeuble dans lequel j’habitais au 64, rue Clignancourt. J’ai vu le quartier changer petit à petit, il s’est gentrifié, j’ai eu la chance d’acheter mon appartement au bon moment avant l’explosion de la bulle immobilière. Lorsque je suis arrivé en 1983 rue Labat il y avait pas mal de commerces indiens. J’ai le souvenir d’avoir acheté des choses sympas, notamment des compilations de musique de films indiens, d’ailleurs cela ne s’appelait pas Bollywood à l’époque… (Hindi ndlr cf. interview d’Hélène Hazera [lien]).

Avez-vous connu le Louxor en activité ?

Malheureusement non, je n’y suis jamais entré. Mais un de mes meilleurs amis, rencontré par hasard sur le boulevard Barbès dans les années 80, était “dame pipi” au Louxor-Megatown !

Dans le livret de votre carte blanche au Centre Pompidou , vous évoquez les salles de cinéma du quartier Barbès…

Oui, j’ai lu quelque part que le 18e était à l’époque l’un des arrondissements de Paris le plus riche en cinéma. Ce magasin de chaussures Kata[8] est incroyable, le décor d’origine est conservé et au milieu, on y trouve des bacs à chaussures. Il y a encore dans ce quartier des traces de cette richesse passée, d’ailleurs, le Louxor pourrait un jour rendre hommage aux cinémas du quartier dans son espace d’exposition.

Magasin Kata, ex Barbès-Palace - Photo PARIS-LOUXOR

Non loin de chez vous, il y a un vidéo-club comme dans Soyez sympas, rembobinez… Un hasard ?

Je connais bien ce vidéo-club de la rue Caulaincourt, il est tenu par deux frères. D’ailleurs on leur a pris leur devanture pour réaliser le vidéo-club de l’Usine de films amateurs au Centre Pompidou ! Lorsque nous l’avons reproduite ils se sont aperçus qu’il y avait une coquille, du coup on l’a gardée, on a trouvé ça bien ! Il y a une vraie vie autour des vidéo-clubs. Mais le Louxor a été une influence plus importante pour Soyez sympas, rembobinez (Be Kind Rewind) que le vidéo-club, l’idée de ce film est venue de ce projet utopique que j’avais de créer cette usine de films amateurs au Louxor. Il s’agissait de filmer n’importe quoi, interviewer les habitants du quartier, leur famille, la vie… Exactement comme lorsque l’on fait un film de famille, on ne se pose jamais la question s’il faut un scénario, et c’est bien sans, car cela enferme les films dans un genre et c’est l’assurance de se retrouver avec des films de zombies ! Même si le scénario est une construction qui parle indirectement de soi. Là, on filme simplement des images qui resteront… Au départ, je pensais que si l’endroit nous était fourni, le prix des places suffirait à permettre aux gens du quartier d’investir le lieu et d’y projeter leurs films…

C’est le principe des soirées diapos…

Exactement, et de pouvoir, comme au temps des films muets, parler pendant la projection. Cela pourrait fonctionner dans une petite salle, par petits groupes. Il pourrait y avoir au Louxor un système de cette nature, où les gens pourraient venir jouer de la musique pendant que d’autres projettent les images qu’ils ont tourné dans le quartier. L’idée serait de mettre en place un système autonome économiquement, ouvert à l’ensemble des personnes souhaitant montrer leurs films. J’ai une vision très simple des choses et je ne doute pas qu’il y ait des mécanismes très complexes, mais je pense qu’à la base il y a une simplicité que l’on devrait pouvoir retrouver…

La Science des rêves (2006) de Michel Gondry

C’était mon idée de départ pour le Louxor. Maintenant avec les petites caméras vidéo, c’est beaucoup plus simple qu’avant. Les gens ont envie de faire du cinéma. On y va, on enregistre la vie, et l’on se donne rendez-vous pour visionner le résultat dans une salle. Cela peut être pensé de manière expérimentale, comme un atelier, pendant six mois, un an. Je pense que cette expérience peut être déconnectée du projet d’Usine du film amateurs, qui lui se développe avec un scénario.

Tout ça me fait penser au Petit rapporteur[9] que je viens d’acheter en DVD, aux reportages que Daniel Prévost et Pierre Desproges réalisaient dans la ville… C’était sublime ! Ce sont des images superbes à regarder parce que l’on voit la vie telle qu’elle était il y a trente ans.

Vous êtes attaché à la pratique amateur …

Je suis attaché au fait de créer des ponts entre les professionnels et les amateurs, mais le problème, surtout en France, est que les professionnels sont des élites fonctionnant en cercle fermé. Je ne dis pas que je n’en fais pas partie, mes parents n’étaient pas du tout dans le métier, je viens de la classe moyenne. Nous vivions à Versailles, dans une petite maison, mais je me sens assez de force pour critiquer le système tout en faisant mon autocritique.

Pour moi, le cinéma est utopique car si on réalisait la difficulté de ce qui nous attend on ne ferait jamais rien, on ne pourrait pas. C’est une utopie que l’on doit partager et à la fois assumer, tout n’est pas aussi évident. Parfois il y a des déceptions, j’essaie toujours de colmater, de faire en sorte que cela se tienne.

Comment avez-vous débuté ?
Vous aviez un appareil photo, une caméra lorsque vous étiez enfant ?

J’ai commencé par faire des expériences, du bricolage avec mon cousin, on réalisait des petits films en faisant bouger des objets. Ensuite je me suis davantage intéressé aux dessins animés et je me suis acheté une Bolex 16 mm. Mon colocataire et ami, Jean-Louis Bompoint, avec lequel j’ai partagé le petit appartement de la rue Labat, avait une bonne connaissance du cinéma, il était monteur et l’auteur d’un court-métrage d’animation. Il m’a fait travailler sur une série complétement naze, Les Triplés : je testais les animations au banc-titre en les filmant puis je développais les négatifs. Ils étaient encore crayonnés avant d’être passés à l’encre, c’était l’ancienne méthode.

J’ai fait beaucoup de photos lorsque j’étais gamin : prendre les photos, développer les négatifs et effectuer les tirages. Ce qui m’intéressait, c’était de réaliser le procédé de A à Z. Mais ce que je préférais, c’était le développement du négatif et la révélation de l’image dans le noir. Cette question du délai dans le temps m’a toujours passionné. J’aime l’idée qu’il faille attendre un peu avant de voir le résultat. On retrouve cela également dans l’animation où tout se fait image par image.

Dans le cadre du projet de documentaire animé que j’ai avec Noam Chomsky, sur la philosophie, la linguistique, selon le point de vue d’un candide, j’ai illustré image par image tout ce qui s’est dit. Comme j’ai tourné avec une caméra Bolex qu’il fallait remonter à chaque fois, on entend le crrriiikclk (il imite le bruit de la Bolex) quand la caméra tourne. Sur la bande-son, lorsque l’on entend ce bruit de caméra dans l’animation, une petite caméra se dessine et l’on voit son image projetée par la caméra.

Vous fréquentiez souvent les salles de cinéma  ?

Pas spécialement, mon ami Jean-Louis (Bompoint) possédait 2 000 cassettes VHS avec un maximum de films français, beaucoup d’avant-guerre, quelques-uns de la Nouvelle Vague. En les visionnant j’ai fait mes choix, j’ai préféré Vigo à Duvivier, Renoir ou encore Carné, tout en les respectant tous.

J’ai regardé récemment des sitcoms, c’est à la fois beauf et extrêmement humain. J’aime quand le point de vue est horizontal, c’est important pour moi que le cinéma soit à ce niveau. Il y a des réalisateurs, qui regardent leurs acteurs du dessus, et les font souffrir inutilement, et d’autres qui les regardent d’en bas pour les magnifier et en faire des statues ou des héros. J’ai toujours souhaité filmer mes acteurs, comme on faisait les films avec mon cousin, en conservant un rapport humain, un rapport de famille où l’un ou l’autre pourrait tenir la caméra, sans hiérarchie. Si j’ai une philosophie, c’est celle-là, j’essaie d’y penser lorsque je fais des films.

Comptez-vous poursuivre l’expérience de l’Usine de films amateurs ?

L’utopie de l’Usine a fonctionné avec les musées et les galeries pour l’instant, ils payent pour accueillir et déplacer les objets. Avec Jacques Salvator, le maire d’Aubervilliers, et Safia Lebdi, présidente de la Commission du Film en Ile-de-France, nous avons le projet de l’implanter dans une ancienne usine d’allumettes à Aubervilliers. Il est important que la Ville soutienne et participe à des activités liées aux quartiers, la Ville tout comme la Région d’ailleurs. Nous devrions également être soutenus par des mécènes. Cette Usine de films amateurs sera permanente, les films y seront tournés, regardés et gérés par les habitants, avec un minimum d’encadrement.

A chaque fois que je présente des projections ou que je participe à des manifestations, je reçois un nombre important de DVD de personnes souhaitant travailler avec moi. Je ne sais jamais trop comment et où les orienter. La mise en place de ces ateliers va leur permettre de se révéler et de créer à leur tour. Parce qu’ils n’ont pas trop le choix, il arrive que certains jeunes se retrouvent à faire des choses détestables dans la rue. En leur donnant l’opportunité de faire quelque chose de constructif, cette expérience peut leur permettre de se révéler. Beaucoup ont un esprit extrêmement vif, créatif… Je pars toujours du principe que la créativité est partout…

… et qu’il est important de la révéler…

Dans le Louxor que nous venons de visiter, votre photographe a pris en photo cette petite guitare en bois réalisée par un ouvrier : interviewer ces ouvriers serait un sujet génial. Aller chez eux, voir comment ils vivent, de quoi est fait leur quotidien. Voir le contraste entre ce qu’ils sont en train de réaliser, là, au Louxor, et leur vie quotidienne, les transports qu’ils sont amenés à faire pour venir travailler parce qu’ils n’habitent certainement pas à côté… Mieux encore, ils pourraient réaliser le film entre eux. C’est complètement utopique mais j’aime cette naïveté.

Cette petite guitare m’a rappelé cette galerie branchée qui vendait une table décorée par des artistes. Les gens achetaient des segments de table qui s’emboîtaient les uns dans les autres, créant ainsi une table sans fin. Chaque artiste décorait la table à son goût et je me souviens qu’un des segments était gravé avec des petits animaux, des petits arbres, le tout réalisé au Pyrogravure, c’était magnifique. J’ai demandé à la galeriste – dont j’étais tombé amoureux – le nom de l’artiste qui avait réalisé cette œuvre, elle m’a répondu : “C’est un des menuisiers qui s’est amusé à faire ça.” Du coup j’ai acheté ce segment. Ce gars a réalisé le truc le plus touchant avec une sensibilité géniale, ça a été pour moi une vraie découverte.

C’est également pour cette raison que j’ai choisi Kes de Ken Loach dans ma carte blanche au Centre Pompidou. C’est l’histoire d’un jeune garçon qui élève un faucon. Il n’est pas très brillant à l’école, un jour, l’enseignant lui demande d’évoquer en classe un sujet qui lui tient à coeur, il ne sait trop quoi dire… alors il parle de son oiseau, et soudain ce qu’il raconte captive tout le monde. C’est ce révélateur que chacun de nous a en soi, cette créativité, qu’il m’intéresse de révéler. Lorsque je suis devenu réalisateur, j’ai eu le sentiment d’utiliser un pourcentage de mon cerveau beaucoup plus élevé que lorsque j’étais batteur. Pourtant ce n’est pas ridicule d’être musicien.

Quels sont vos projets ? Vous avez toujours en tête d’adapter UBIK de Philip K. Dick ?

Oui, je travaille sur UBIK, c’est assez compliqué, cela évoque à la fois la régression du temps et une distorsion de point de vue … Je travaille actuellement sur un autre film qui se passe dans le Bronx[10], sur un groupe de jeunes effectuant un voyage en bus. Le voyage permet d’installer les relations entre les personnages. Au début, ils sont tous odieux les uns avec les autres, et au fur et à mesure que les jeunes descendent du bus, les rapports changent, de nouvelles dynamiques se créent au sein du groupe jusqu’à ce qu’il n’en reste plus que deux… Et il y a aussi ce projet avec Chomsky. Je n’ai pas beaucoup lu et la philosophie telle qu’elle est pratiquée en France me paraît un peu égoïste… c’est pour ça que j’aime bien Chomsky, c’est un scientifique. Il a approché le langage et la philosophie en se réclamant du Siècle des Lumières et en développant l’idée que pour croire quelque chose il faut pouvoir se l’expliquer. Ce n’est d’ailleurs pas toujours évident pour moi de me faire écouter par lui lors de nos discussions, mais c’est ce qui fait partie de cette dynamique d’échange.

J’ai beaucoup d’autres projets, ça a démarré si lentement pour moi que j’en ai accumulé des tonnes qui ne pouvaient se réaliser avant. La vie est suffisamment longue pour qu’ils puissent resurgir un jour. UBIK, que j’ai voulu adapter depuis des années, m’a filé entre les doigts il y a trois ans, et maintenant il revient. Même chose pour le Frelon Vert, qui m’avait échappé il y a quinze ans. Je pense que finalement, on a toujours une deuxième chance dans la vie. Avec le Frelon Vert, je voulais faire un film populaire. Je suis tombé dans l’art et essai un peu par hasard, alors que ce que j’aime avant tout c’est la comédie…

+ d’infos sur l’Usine de films amateurs sur le site internet du Centre Pompidou [lien]

Remerciements à Sylvie Pras, Clémentine Charlemaine, Philippe Pumain, la Mission cinéma, Géraldine Mailles.

[1] Du 16 février au 28 mars (avec prolongation), carte blanche, rétrospective et Usine de films amateurs.
[2] Oscar du meilleur scénario en 2005 pour Eternal Sunshine of the Spotless Mind
[3] On lui doit notamment Human nature, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, La Science des rêves, Soignez sympas, rembobinez, David Lachapelle’s Block Party et dernièrement Le Frelon vert.
[4] Björk, The Rollling Stones et plus récemment le dernier clip de The Living Sisters pour ne citer qu’eux.
[5] Air France “nuage” et “passage”, “La Boutique” Nespresso, c’était lui.
[6] Modification du profil social et économique d’un quartier au profit d’une classe sociale supérieure
[7] Lower Manhattan Expressway (également connu sous le nom de Canal Street Expressway ou Lomex)
[8] Ex Barbès-Palace situé au 34, boulevard Barbès
[9] Vrai faux journal télévisé culte et décalé présenté en 1975-1976 par Jacques Martin et une équipe d’humoristes et de chansonniers
[10] Dont le titre serait « The Whe & The I »

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