LOUXOR-PALAIS DU CINÉMA (LOUXOR-PATHÉ)
170 boulevard Magenta Paris 10e
Ouverture : 6 octobre 1921 (Mono écran : 1195 places)
Fermeture : 30 novembre 1983
Réouverture : 18 avril 2013 (Trois salles : 342, 140 et 74 places)

1921-2021. Centenaire du Louxor-Palais du cinéma

En partenariat avec le magazine Historia. Pour contribuer et témoigner  : CINÉMAS DE PARIS

Le Louxor en 1922

La salle néo-égyptienne des années 1920. Le Louxor a été construit en 1920 par l’architecte Henri Zipcy à la demande du publicitaire  Henry Silberberg. Le nouveau cinéma, qui prend place sur les décombres d’un immeuble haussmannien et du magasin « Au Sacré  Cœur » Nouveautés, est une salle de style Art Déco  égyptisant – avec mosaïques, frises murales et têtes de pharaons en saillie – vraisemblablement inspiré par le film à succès Cleopatra (1917) de J. Gordon Edwards, avec la star de l’époque, Theda Bara, sans oublier cette passion française pour l’Egypte que l’on retrouve à Paris, dans l’architecture, la peinture, le mobilier, les noms de rues… Le Louxor, unique en son genre en France, est alors le flamboyant palais du cinéma du carrefour Barbès qui peut accueillir 1 195 spectateurs assis, avec une salle de 14 mètres sous plafond et ses deux balcons. Il est inauguré le 6 octobre 1921 avec A 14 millions de lieues de la Terre (1918), film de science-fiction  du  danois Holger-Madsen. Hormis la programmation, on sait peu de choses de la soirée d’ouverture, si ce n’est que ce soir-là, non loin du Louxor, Charlie Chaplin, venu à Paris pour présenter The Kid à l’occasion d’une soirée de bienfaisance pour les victimes de la Grande Guerre, faisait la nouba à La Cigale avec le boxeur Georges Carpentier, épisode rapporté par le célèbre critique et cinéaste Louis Delluc dans la revue de cinéma Cinéa.

L’ère Pathé. Peu de temps après son inauguration, Silberberg décède, la salle est vendue l’année suivante à la Société Nouvelle du Cinéma Louxor (réseau Lutétia-Fournier), puis rachetée en 1929 par Pathé. Dès 1930, le style néo-grec se substitue à la décoration néo-égyptienne de 1921.

Programme du Louxor (1924) coll.Ch.Tabaste pour Paris-Louxor

En 1954, le  Louxor Pathé est modernisé par Jean Lesage, décorateur à la Compagnie des Arts Français et par l’architecte M. Bossis :  le vieux rose et le velours grenat recouvrent les peintures et les papiers peints ; les sièges de style égyptien disparaissent, remplacés par des fauteuils de velours grenat à manchettes ivoire ; et le décor de la scène est entièrement en velours deux tons, rose et grenat. Des panneaux installés à l’avant de la salle pour une meilleure acoustique, sont décorés de hautes appliques de métal et verre en forme de palmes. Les années 1950 vont voir défiler au Louxor le meilleur et le tout venant des productions française et étrangère : policiers, romances, aventures, westerns… jusqu’au milieu des années 1960.

Le Louxor-Pathé et le carrefour Barbès dans le film « Dupont Barbès » d’Henry Lepage (1951)

Le crépuscule d’un Palais. A partir de la décennie 1970 viennent peu à peu se substituer des films exotiques égyptiens, hindi ou des productions de série Z. Les toilettes et les balcons sont connus comme lieux de rencontres de toutes sortes ; et il  y a parfois plus de spectacle, raconte-t’on, entre les travées de fauteuils qu’à l’écran !

Comme pour prévenir un désastre qui s’annonce – et ne pas rééditer  le manquement des pouvoirs publics à l’égard du Gaumont Palace et du cirque Medrano, détruits en 1973 -  les façades et les toitures du Louxor sont inscrites à l’inventaire supplémentaire des Monuments Historiques. Le décret est signé le 5 octobre 1981 par le ministre de la Culture Jack Lang. Il en sera de même des cinémas avoisinants Grand Rex, Eldorado, Cigale et Trianon. Le 29 novembre 1983, le Louxor programme sa dernière séance avec le film indien Qaid (1975) d’Atma Ram, au prix unique de 12 francs… et ferme le lendemain.

Sauvé des bulldozers. Protégé administrativement, le bâtiment n’est pas pour autant sauvé économiquement. Après sa fermeture, les magasins Tati, situés sur le carrefour Barbès, rachètent le Louxor, empêchant un éventuel concurrent de l’exploiter en commerce de vêtements, comme cela s’est produit pour les ex-cinémas voisins Barbès Palace et Delta, fermés tous les deux en 1985.

Le Louxor en 1982 (un an avant sa fermeture)

A la fin des années 80, le lieu se transforme en boîte de nuit : La Dérobade (1986) d’inspiration antillaise, puis Le Megatown (1987), haut-lieu des nuits parisiennes gay. Dans les années 90, le Louxor devient un squat artistique et accueille un studio de répétition underground.

Au début  des années 2000, des associations de quartier, menées par Action Barbès, Histoire et vies du 10e et des groupes de cinéphiles, se mobilisent pour sauver le Louxor. La Ville de Paris sous l’impulsion de son nouveau maire, Bertrand Delanoë, rachète finalement l’immeuble en 2003 ; et le 8 janvier 2010, un permis de construire est délivré.

Le Louxor (2010)

En juillet 2010, l’architecte Philippe Pumain entreprend une rénovation complète du cinéma avec l’objectif de faire renaître les décorations égyptisantes de 1921. Au-dessous de la grande salle de 342 places, qui porte le nom du grand cinéaste égyptien Youssef Chahine, sont créées deux autres salles respectivement  de 140 (qui prendra par la suite le nom de Juliet Berto et Jean-Henri Roger) et  74 places. Les trois salles sont équipées de projecteurs numériques 4K (salle Y. Chahine) et 2K. Des projections 35 mm peuvent être également assurées. L’ensemble comprend aussi un bar avec terrasse donnant sur le carrefour et un lieu d’exposition.

Images de l’inauguration du Louxor par David Haddad (Paris-Louxor)

Louxor Palais du Cinéma. Cinélouxor remporte, en décembre 2012, l’appel d’offre lancé par la Ville de Paris pour l’exploitation du cinéma dans le cadre d’une délégation de service public. La société Cinélouxor est composée de Carole Scotta et de Martin Bidou (à la programmation), de la société Haut et Court, ainsi que d’Emmanuel Papillon, ancien exploitant du cinéma Jacques Tati, à Tremblay-en-France et responsable de la filière exploitation à la Femis, ce dernier prend la direction de la salle de cinéma. Le Louxor-Palais du cinéma, entièrement rénové ouvre ses portes, près de trente années après sa fermeture. Une nouvelle page s’écrit pour le cinéma du carrefour Barbès. Le nouveau Louxor accueille, depuis le 18 avril 2013, les premiers spectateurs dans un décor à l’égyptienne flamboyant. Films Art et Essai en exclusivité, avant-premières, festivals, Université Populaire du Cinéma, séances pour enfants, films du patrimoine et ciné-concerts composent sa programmation. Une attention particulière est portée aux cinématographies du Sud.

A lire :
-Chronologie du Louxor
-L’an 1 du nouveau Louxor. Entretien avec les exploitants
-Le Louxor, un an après, avec Michel Gomez
-Le Louxor en chantier

Film à l’affiche sur le programme de 1924 : Les Yeux de l’âme (Os Olhos da Alma) de Roger Lion (1923).
Film sur l’extrait du film Dupont Barbès d’Henry Lepage, non identifié.
Film sur la photo du Louxor en 1982, un film de Bollywood : Katilon Ke Kaatil de Arjun Hingorani (1981)
(Merci à Salles-cinemas.com pour la photo.)

L’association Paris-Louxor a été fondée le 14 juin 2010.

Ajout 12/04/2021. Merci à J.-S. Viguié pour l’affiche de « Lily Marlène » (1950) film britannique de Arthur Crabtree.

Témoignages :

Le Louxor, un amour de cinéma par Yvonne Laurent
Au printemps 1949, Raymond m’a demandé en mariage durant une séance du Louxor… J’ai conservé le ticket.

Mademoiselle Paris du Louxor par André Behar-Kemaloff
Mademoiselle Paris (elle détestait son prénom Marcelle) était une belle vraie blonde, une femme amphore comme la Loren. Elle était ouvreuse de cinéma. Après avoir travaillé des années à l’Empire (Cinérama) jusqu’à la fermeture, elle a travaillé au Louxor. En 1972, au Louxor, c’était du film exotique et de la série B, quelquefois des B cultes. En 1979 elle est tombée (avec sa lampe de poche) dans les marches d’escalier d’un des balcons du Louxor. Elle s’est foulé la cheville et est morte de la gangrène. Je l’ai connue en 1972; Mademoiselle Paris était la mère de ma petite copine. Elle aimait tellement le cinéma que pendant ses jours de repos elle allait au cinéma. Elle adorait « Rencontres du troisième type » et les films de science fiction. Et bien sûr, elle connaissait les dialogues par cœur. Bonbons ! Caramel ! Esquimaux ! ! Chocolats…

Le Louxor et l’or du temps par Marie Hélène Fraïssé
Le « Louxor Pathé », dans les années 50, brillait de tous les feux de ses céramiques dorées. A 10 minutes de La Chapelle, où habitait ma famille, cette salle néo-égyptienne spécialisée dans la production hollywoodienne en série était une grotte d’Ali Baba, pleine de joyaux en pur Technicolor. Au Louxor Pathé je pénétrai enfin pour ma première séance de cinéma, dûment encadrée par toute la famille. On y projetait un nanar série Z intitulé « L’Or de la Nouvelle Guinée ». Une histoire d’explorateurs attaqués par de terrifiants Papous coupeurs de têtes, avec des os passés dans le nez et des peintures de guerre. L’effet fut dévastateur. Je passai les nuits suivantes, terrée au fond de mon lit. Les sanguinaires Papous allaient-ils parvenir à escalader les balcons de notre deuxième étage au 62 rue Louis Blanc? Je fis d’interminables cauchemars. Mes parents se mordirent les doigts d’avoir manqué de discernement pour cette toute première séance…. Nos expéditions cinématographiques recommencèrent de plus belle, poussant au-delà de Barbès, remontant le fabuleux boulevard où défilaient le Trianon, le Moulin Rouge (Mecque du western grande époque), jusqu’à l’inoubliable Gaumont Palace. Entre Barbès et place Clichy, nous avons – comme disait joliment André Breton, illustre résident de la rue Fontaine – cueilli « l’or du temps »…

Chaplin au Louxor par Gisèle Casadesus
Le Louxor !? Je m’en souviens bien, j’y suis allée petite fille… j’ai le souvenir d’y avoir vu des films muets de Chaplin, j’y suis ensuite retournée à plusieurs reprises. Jeune fille, mon père me racontait qu’enfant, il allait chercher le lait dans les fermes de Montmartre, c’était vraiment la campagne, et mon père y allait avec ses frères non loin du Sacré cœur. Une autre époque! (Et plus encore)

Une odeur de Miror par Jean-Marc Lévy
Mon premier souvenir du Louxor est celui d’une odeur… un mélange de cuivre et de désinfectant, quelque chose d’assez proche du Miror et de l’ammoniaque. Enfant, j’aimais regarder les affiches et les photos des films présentées sur les façades du Louxor. Au début, elles étaient punaisées, puis elles ont été présentées sous verre. Je pense que certains petits jeunes les piquaient, comme dans Les Quatre Cents Coups de François Truffaut. J’aime beaucoup ce film, j’y retrouve le quartier, des souvenirs d’enfance et le cinéma. Ces photos coûtaient cher à l’exploitant. Il y en avait de diverses qualités. Je me souviens que les Disney étaient plastifiées et perforées aux quatre coins pour y mettre les punaises, de manière à ce qu’elles puissent être réutilisées sans que cela n’abîme la photo. Mon amour du cinéma a commencé grâce ou plutôt à cause du Louxor. J’avais 12 ¾ – je le précise car à l’époque il y avait une interdiction aux moins de 13 ans – je faisais la queue pour aller voir le King Kong de 1933, lorsqu’un contrôleur me demanda de sortir de la file alors que je me tenais à quelques centimètres de la caisse. J’étais furax. Je descendis aussitôt le boulevard en direction du Grand Rex. On y jouait un western, Bandolero ! Depuis ce jour-là, je n’ai jamais vraiment quitté les salles (Jean-Marc Lévy est projectionniste ndlr). Je suis retourné au Louxor à plusieurs reprises avec mes parents, puis seul une fois plus âgé. Je me souviens de la projection de La Bataille d’Alger. Il y avait un monde fou, l’exploitant avait mis devant le cinéma un panneau “3e rang” afin d’indiquer aux personnes faisant la queue qu’il ne restait que les trois derniers rangs. (Et plus encore)

Le Louxor, quel spectacle ! par Hélène Hazera
J’aimais beaucoup les comédies musicales. Et les comédies musicales indiennes en particulier… Le public maghrébin adore les films indiens ; il paraît qu’à Alger il y a des dames qui ont appris le hindi rien qu’au cinéma. Que de bons souvenirs de films dont j’ai oublié le titre et le nom du réalisateur. Waqt* (« Le Temps ») portait un nom arabe, et racontait l’histoire d’une famille dont les enfants étaient dispersés par une catastrophe et recueillis par des parents de confessions différentes… On l’apprenait avec une formidable séquence pré-générique : Pour Waqt, on voyait la mère se faire renverser. À l’hôpital, on demandait des gens de son groupe sanguin et les trois enfants se retrouvaient, sans se connaître, pour la transfuser ; générique sur les tuyaux de la transfusion allant de l’un à l’autre… C’est vrai que les films des années 50 avaient un parfum plus coriace, des couleurs plus vivaces… Cette actrice « reine de la tragédie » de caste brahmane fuyant la famille de son mari, se retrouvant chez les parias (avec une scène où des hijras -les trans locales- volent dans une salle de concert). Parfois un mélo me touchait directement, quand -encore chez les brahmanes- une fille devenait prostituée pour pallier à la misère qui s’était abattue sur la famille… Ah oui, ce film incroyable où tout se passait en patins à roulettes ! Et Amitabh Bachhan le gueux au grand cœur… (il a fait depuis une carrière politique).
J’étais enfant quand Oum Kalthoum est venue à Paris (concert mythique de novembre 1967). Son concert y a été diffusé en musicorama…ça a été un choc pour moi. Avec quels délices je retrouvais les grandes voix arabes dans des comédies musicales…Warda au Liban en mini-jupe, la chanteuse libanaise Fayrouz, le « rossignol brun » égyptien Abdel Halim Hafez (Dieu qu’il était beau dans le noir et blanc de sa jeunesse). Beaucoup d’habitués du Louxor, moins cinéphiles (ou « cinéfolles ») n’arrivaient pas à croire que je venais juste pour les films. Il fallait parfois batailler, ou faire des concessions. Aller aux toilettes était une périlleuse expédition. Des copains m’avaient raconté l’autre légende du Louxor : certains y passaient leur week-end dans les toilettes. On dit que la première fois que le Bolchoï vint à Paris, les étoiles de la danse russe s’y retrouvèrent tous un soir pour une démonstration vibrante d’amitié entre les peuples. Moi qui étais vertueuse (le chœur du Louxor : « Tu parles ! »), c’était pour les films que je venais ! Mélodrames hindis, films musicaux arabes, vos perversions si pures dansent à jamais dans mon cœur. Merci le Louxor… (Et plus encore)

Le Louxor en couleurs par Jean-Pierre Bechter, ancien kiosquier du métro Barbès-Rochechouart
J’en ai vu de toutes les couleurs devant le Louxor ! François Mitterrand est venu m’acheter des journaux le jour de la fermeture du Louxor. Il m’avait même pris quelques journaux maghrébins. J’ai également croisé Gene Hackman qui faisait du tourisme et est venu m’acheter un plan de Paris, il cherchait le Sacré Cœur… Jean Carmet était un très bon client, il achetait son journal chaque dimanche. Léon Zitrone venait régulièrement acheter ses journaux de course… (…) Je me souviens qu’on y programmait de beaux films. J’y allais quand les films m’intéressaient, je me souviens avoir vu Cent mille dollars au soleil d’Henri Verneuil et La Balance de Bob Swaim. C’est d’ailleurs le dernier film que je suis allé voir au Louxor. Souvent, des immigrés allaient voir un film pendant que leurs habits tournaient au lavomatique à côté. Le quartier était très animé. Un soir, alors que le Louxor programmait La bataille d’Alger, j’ai vu deux ou trois hommes sortir en trombe d’une voiture, une mitraillette à la main, puis se mettre à canarder la façade du Louxor où se trouvait l’affiche du film ! Je m’en souviens bien, il faisait beau. Il n’y a pas eu de blessés, c’était juste très impressionnant. Plusieurs journaux en avaient parlé à l’époque, Le Parisien, France Soir… (Et plus encore)

Le Louxor, la ville-monde par Denise Decornoy
Mes parents étaient ouvriers, nous habitions au 36, rue de la Goutte d’or très exactement. Il y avait là des juifs d’Europe, des Ashkénazes, comme mes parents, on parlait beaucoup Yiddish dans le quartier et à la maison. Il y avait aussi des juifs d’Afrique du Nord, des Séfarades, mais aussi des Algériens, des Marocains, des Tunisiens, et il y avait aussi ce qu’on appelle communément des Français de souche, on allait à l’école ensemble… tout ce monde là cohabitait très bien, il n’y avait aucun problème…. A la grande époque du Louxor, dans les années cinquante, c’était un quartier vraiment fascinant… J’y ai vu « La Flèche brisée » un film avec Jeff Chandler je crois bien. Je l’ai gardé en mémoire parce que c’était un très beau film, mais qu’est ce qu’on a pu voir comme navets !!! Mon père aimait vraiment le cinéma et tous les cinémas. Je me souviens qu’il m’emmenait en cachette voir des films d’épouvante, en me promettant de ne rien dire à ma mère! Aussi, j’ai un souvenir terrifiant de « La Fille du Loup-Garou », l’histoire d’une fille découvrant que sa mère était un loup-garou, quelle histoire! Ensuite, il fallait rentrer à la maison, faire comme si de rien n’était et ne rien dire… quelle horreur, j’en ai fait des cauchemars ! (Et plus encore)

ELDORADO
4, boulevard de Strasbourg (10e)
1500 places
1933-1981

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L’Eldorado est un café-concert construit à l’emplacement du manège Pellier (ancien manège Leblanc), initialement situé 11, rue du Faubourg Saint-Martin, à Paris dans le dixième arrondissement. La salle est  construite en seulement six mois par l’architecte Charles Duval*, sur la même parcelle, au 4, boulevard de Strasbourg, elle ouvre ses portes le 30 décembre 1858. Après une faillite, l’Eldorado est transformé, en 1862, par son nouveau propriétaire et devient un café-concert de renom, puis café-théâtre-concert en 1893 après rénovation.

L’Eldorado est l’une des quelques salles parisiennes – avec le Salon Indien du Grand Café **, L’Olympia, et les magasins Dufayel sur le boulevard Barbès (1896), le Ba-ta-clan, le Parisiana et le Casino de Paris (1897) – dans lesquelles le Cinématographe fait ses premières incursions. Le dimanche 29 mars 1896, la « photographie animée »  assure la seconde partie du programme, à 22h. ; puis à partir du jeudi 16 avril, à la demande des habitants du 10e arrondissement, par voie de pétition, un opérateur Lumière assure les projections de deux heures l’après-midi. Des matinées cinématographiques vont y  être régulièrement organisées à partir de janvier 1907. Mais en 1913, L’Eldorado cesse pratiquement le cinéma et reprend pleinement son activité de café-concert. Bach, le célèbre comique troupier y crée La Madelon en 1914. Et des artistes comme Dranem, Mistinguett, Raimu ou Maurice Chevalier vont s’y produire jusque dans les années 1930.

Entièrement reconstruit en béton armé par Paul Dubreuil, architecte du Syndicat français des directeurs de cinématographes, les travaux débutent au mois d’août 1932, il conserve le plan ovoïde, organisation spatiale et acoustique des théâtres utilisée par la suite au cinéma, comme au Rex et au Balzac. On doit notamment à Paul Dubreuil, l’audacieux Secretan Palace (1932) dans le 19e, la reconstruction de l’Ornano 43 (1933) dans le 18e, avec sa façade Art déco dans le style Paquebot. L’Eldorado devient ensuite un cinéma de 1 500 places avec un hall d’entrée majestueux et deux étages de foyers promenoirs. La salle est décorée avec soin et s’inspire du cinéma dans ses éléments de décoration, décors en staff évoquant des motifs égyptisants et bobines de pellicules stylisées.

Il est inauguré le 9 février 1933 avec Congorilla, “premier film entièrement tourné en Afrique” par les « Amants de l’aventure » américains Martin et Osa Johnson et Paris-Soleil, une comédie de Jean Hémard. Situé à proximité des Grands Boulevards entre les portes Saint-Denis et Saint-Martin, l’Eldorado devient, par sa taille, un temple de cinéma pour les films de première exclusivité. Les files s’allongent sur le boulevard de Strasbourg et les spectateurs sur le trottoir semblent bien petits au regard des immenses panneaux peints insérés dans la façade Art Déco. Le journal Comœdia évoque l’ouverture du cinéma.

Un café-chantant se fait cinéma in Comœdia, 10 février 1933

L’Eldorado a rouvert ses portes hier soir, complètement rajeuni et transformé en joli cinéma parlé, devant un public nombreux et élégant. La vieille salle de café chantant qui fit les délices de nos pères, a été complètement rasée, et à sa place, une très jolie salle moderne aux lignes sobres et de bon goût, a été édifiée par un jeune architecte de talent, M. Dubreuil.

Ces travaux parfaits ont été exécutés dans un record de vitesse, car quatre mois ont suffi pour l’édification de ce nouveau Palace, et toutes les personnes qui ont assisté à à la soirée d’inauguration, ont été unanimes à féliciter la direction et l’architecte. L’Eldorado contient près de deux milles places confortables, sur des fauteuils de grand luxe. La salle est chauffée et ventilée par pulsation d’air chaud et froid ; l’air y est continuellement renouvelé et purifié par un machinisme perfectionné. Une installation de nettoyage par le vide permet de supprimer toutes les poussières.

L’Eldorado donnera quatre séances par jour : Une de 12 à 14 heures ; deux séances complètes de 14 h. 30 à 19h.; une séance de 20 h. 30 à 23 h. 30. La location sera gratuite et les prix modérés. Les programmes seront généralement composés de films en avant-première semaine, ou en exclusivité, et renouvelés chaque semaine. Comœdia est heureux de saluer la naissance d’une nouvelle salle et s’associe chaleureusement aux succès qui couronneront les efforts de son active et sympathique direction.

Au début des années 1970, l’Eldorado s’essaye à une programmation alternative… en projetant des films érotiques et classés X qui ne disent pas leur nom, ou presque, c’est d’ailleurs dans cette salle qu’est montré le premier porno à Paris, comme le rappelle Alexandre H. Mathis “Avec mon amie, on était éberlués par ce que l’on voyait car la nature du film n’était pas annoncée, c’était la première fois que l’on voyait un film X sur un écran commercial (autre que la Cinémathèque d’Henri Langlois).” Une activité que poursuivra, la Scala, salle voisine située au numéro 13 du boulevard de Strasbourg, ancien café-concert, théâtre, cinéma puis multiplexe porno, avant de redevenir un théâtre en 2018. L’exploitation des films classés ne durera qu’un temps, jusqu’au mitan des années 1970. En 1977-1978, la salle est gérée par Simone Lancelot, qui a fait ses premières armes au Montcalm, un petit cinéma de la rue Ordener dans le 18ème, secrétaire, caissière, ouvreuse, programmatrice, “Madame Cinéma” connaît toutes les ficelles du métier. Après le Montcalm, elle travaille pendant la guerre au Barbès Palace (18e), puis au Studio de l’Etoile (17e) mais aussi au Scarlett (18e), l’Atlas (18e), le Jean Renoir (18e), et l’Eldorado dont elle prend la gérance. Avec la crise que traverse le métier d’exploitation dans les années 1970, L’Eldorado, qui assiste au déclin de sa grandeur passée, survit en programmant des films d’action et de kung-fu. Mais le rideau est définitivement tiré le 7 juillet 1981.

Le hall d’entrée et la salle sont classés à l’inventaire des Monuments Historiques le 5 octobre 1981, en même temps que le Grand Rex et le Louxor. Au début des années 1980, la salle devient un temple du punk rock et de la New Wave, de nombreux groupes s’y produisent, The Smiths, R.E.M, les Fleshtones, New Order, The Cramps pour ne citer qu’eux. L’Eldorado, rénové en 1993-94 à l’initiative de son nouveau directeur Maurice Molina, retrouve sa vocation pour le spectacle vivant. En 2000, il prend le nom de Théâtre Comédia et devient l’une des premières scènes parisiennes pour les spectacles musicaux, les pièces à succès et les shows d’humoristes. Il est repris en 2011 par Jack-Henri Soumère, directeur de l’Opéra de Massy qui le cède en 2013 à l’homme d’affaires, Marc Ladreit de Lacharrière. Racheté en 2017 par le producteur Jean-Marc Dumontet qui possède plusieurs salles de spectacles dans Paris, comme le Bobino, le Point-Virgule, le Théâtre Antoine, il est rebaptisé “Théâtre Libre”. Doté de deux salles (934 et 154 places), il programme des spectacles de danse, de cirque, du théâtre, ou encore le Live Magazine, un concept de “journal vivant” où se succèdent journalistes, photographes, réalisateurs etc. pour raconter en images des histoires.

A l’affiche : Antoine et Antoinette (1947, Grand prix du festival de Cannes) de Jacques Becker

*À qui l’on doit notamment Le Grand Café Parisien du Boulevard Saint-Martin (1857), plus grand café du monde, l’Alcazar d’hiver (1858) situé rue du Faubourg-Poissonnière et Le Ba-ta-clan (1864)
** Au 14 boulevard des Capucines, Paris 9e, où a lieu de la première projection publique du Cinématographe Lumière, le 28 décembre 1895.
Au numéro 7, le photographe Léon Langlois y installe son studio en 1882 “La Photographie de l’Eldorado”.
Merci à Simone et Martine Lancelot, Alexandre H. Mathis et Dominique Blattlin.

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GAITE ROCHECHOUART
15 boulevard Rochechouart Paris 9e

Architectes Édouard Lardillier & Bernard Beslin
900 places – 15 avril 1933-1988
Trudaine 06-23
Aujourd’hui, un magasin de vêtements

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Une marque de vêtements pour hommes, bien connue pour son imposante façade noire et ses déstockages massifs, habille désormais la Gaîté-Rochechouart, ancien cinéma de quartier, situé sur le boulevard Rochechouart entre le Louxor et le Delta. Cet ancien et non moins célèbre café-théâtre à l’architecture d’inspiration néo-classique a accueilli ses premières représentations dès 1865 dans un ancien hangar aménagé. Salle de music-hall réputée, elle accueille les spectacles et tours de chant de Mistinguett, Fréhel, Eugène Gabriel Mansuelle ou encore Maurice Chevalier.

Détruit par un incendie le 21 janvier 1923, le théâtre est entièrement rénové par M. Du Bois d’Auberville, c’est “une véritable bonbonnière de tonalité gris-argent et rose” indique le journal La Liberté dans son édition du 27 septembre 1923. Le nouveau théâtre ouvre ses portes deux jours après avec la revue de Georges Arnoult “C’est mariole”. Il sera transformé en un cinéma de 750 places en 1933. La Gaîté-Rochechouart, derrière une façade désormais épurée, propose des films en première exclusivité, projetés en version originale, avec programmation permanente de 12 heures à 24 heures.

Une production de la Columbia, Papa Cohen (No Greater Love, 1932) de Lewis Seiler, sorti le 10 février 1933, fait l’ouverture. Également connu sous le titre français Grand amour, un grand amour, les sous-titres sont signés de l’écrivaine Colette. Ce film est accompagné du documentaire français Peaux rouges d’hier et d’aujourd’hui (1931), sur la Mission Paul Coze. Pour donner plus de réalité au spectacle, des projections se font en présence, sur scène, du chef Os-Ko-Mon de la tribu Yakina, pour un tour de danse et de chant !

Dans les années 1930, le Gaîté-Rochechouart poursuit sa programmation de films en version originale sous-titrée, Morning Glory avec Katharine Hepburn, Queen Christina avec Greta Garbo (1934), Bringing up Baby de Hawks (1937), Gunga Din (1939). En 1941, la salle appartenant à la famille Sezig est spoliée dans le cadre des lois antisémites du gouvernement de Vichy, dites d’“aryanisation”. Le Gaîté-Rochechouart ferme temporairement ses portes pour rénovation, il rouvre le 3 avril 1942, avec Fernandel à l’affiche, dans L’Acrobate de Jean Boyer. Dans les années 1950, on y découvre les grands films américains de l’époque comme La Charge Héroïque de John Ford à l’affiche fin novembre 1950, L’Inconnu du Nord-Express d’Hitchcock en 1952, La Chatte sur un toit brûlant en 1959, Bons baisers de Russie et Opération Tonnerre, deux James Bond en 1966, La Sirène du Mississippi et Il était une fois dans l’Ouest en 1969.

En 1978, le cinéma ouvre une seconde salle de 203 places, et la programmation du Gaîté-Rochechouart est orientée, à l’instar des salles de quartier qui cherchent un nouveau souffle, vers les films d’action d’origine asiatique. En 1988, la grande enseigne orange de la Gaîté-Rochechouart représentant un soleil formé d’ampoules scintillantes est définitivement décrochée.

A l’affiche : Pension d’artistes (Stage door, 1937) de Gregory LaCava et L’avocat criminel (Criminal Lawyer, 1937) de Christy Cabanne..

Témoignage de Jean Segura : Le Louxor était un peu loin, c’est pourquoi nous allions si souvent à la Gaîté-Rochechouart avec mon frère Alain. Je me souviens y avoir vu Les Boucaniers, un beau film d’aventures et de pirates réalisé par Anthony Quinn. Ce film étant sorti à Paris le 6 novembre 1959, je suppose que j’ai dû le voir peu de temps après. J’avais une dizaine d’années et cette histoire m’avait fasciné, notamment l’amitié entre Jean Lafitte (Yul Brynner) et un petit garçon (comme plus tard je le découvrirai dans les Contrebandiers de Moonfleet de Fritz Lang). Et puis il y avait Charlton Heston incarnant le flamboyant Général Andrew Jackson (futur président des Etats-Unis) retrouvant Yul Brynner (son partenaire des Dix Commandements) qui portait une perruque pour être dans la peau du personnage de Lafitte. Enfin il y avait le Charles Boyer, que j’avais déjà vu dans Nana de Christian-Jaque dans ce même cinéma.

PALAIS ROCHECHOUART
56, boulevard Rochechouart Paris 18e
1912 – 1929 – 1969
Ouverture : 1912 (1 462 places), rénovation en 1929 (1660 places)
Fermeture : 11 novembre 1969
Aujourd’hui, un magasin d’électroménager.

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Près de la station de métro Anvers, siégeait une des plus belles salles du quartier, qui méritait bien le nom de Palais. Ouvert en 1912 par la Société des Grands Cinémas, le Palais Rochechouart disposait de 1 462 places, d’un balcon et d’un toit ouvrant, tout comme le Ternes Palace, et plus tard La Scala, pour des séances en plein air, ce qui ravissait les spectateurs par grande chaleur. Les foules se ruent pour savourer les films en première exclusivité. En 1924, un jeune musicien, Stéphane Grappelli, habitué à jouer dans les cours du quartier pour quelques francs, fait ses débuts au sein de l’orchestre du Palais Rochechouart, en remplacement d’un violoniste de cinéma muet tombé malade, parent de son voisin le guitariste Rizzo. Ce dernier ne manque pas de lui donner un conseil avisé “Surtout ne rate pas cette occasion car je suis sûr qu’un jour tu n’auras plus besoin de jouer dans les cours”. Grappelli, après avoir pris sa carte à la CGT, sésame nécessaire pour rejoindre l’orchestre, débute sa carrière au Palais Rochechouart en jouant la partition de Monsieur Beaucaire un film muet de Sidney Olcott, marquant le grand retour à l’écran de la star Rudolph Valentino.

En 1929, c’est l’avènement du parlant, la salle est rénovée par l’architecte Henri Belloc dans le style Art déco avec son imposante façade de béton dotée d’un large auvent. La décoration est sobre, la salle dispose d’un impressionnant balcon en arc de cercle. Modernité oblige, un soin particulier est apporté à la sonorisation du cinéma. Le nouveau Palais peut accueillir 1 660 spectateurs et rouvre ses portes en novembre 1929 avec un film sonore produit par la Paramount La Chanson de Paris de George Wallace. Premier film hollywoodien de Maurice Chevalier dans lequel il interprète “Valentine”… Dont on se souvient qu’elle avait de tout petits petons. Géré par la suite par le circuit Aubert, il devient Palais Rochechouart Aubert. Le circuit Aubert est dans la foulée racheté par Gaumont, il prend le nom de Palais Rochechouart, Théâtre Gaumont-Aubert. Architecte des cinémas Aubert (Moderne Palace, le Régina…), puis Gaumont, Henri Belloc se consacre l’année suivante au renouveau du Gaumont Palace, un imposant cinéma de la place de Clichy ayant conservé l’architecture “Beaux Arts” de l’ancien hippodrome de l’exposition universelle de 1900. Le Gaumont Palace deviendra en 1931, le “plus grand cinéma du monde”, un paquebot Art déco de 6 000 places.

Le succès est au rendez-vous, en 1931, le cinéma de quartier réalise un chiffre d’affaires de 5 millions de francs, ce qui est important à l’époque. Le Palais Rochechouart accueille des avant-premières, en septembre 1931, deux films créent l’émoi, Mamzelle Nitouche de Marc Allégret et La Chienne de Jean Renoir. La raison, la jeune comédienne de 23 ans, à l’affiche des deux films, Janie Marèse, vient de se tuer dans un accident de voiture quelques semaines avant sa révélation au grand public, ce qui précipite la sortie des films nous rapporte La Vie Parisienne du 12 septembre 1931. Le Palais Rochechouart est plébiscité par la profession, les producteurs y présentent les “nouveautés” aux exploitants, Dracula de Todd Browning (1931) avec Bela Lugosi y est présenté en 1932. Les productions françaises, mais aussi les péplums et autres films à grand spectacle sont projetés dans la vaste salle de 1 660 places du “Palais” (pour vous donner un ordre d’idée, c’est plus de quatre fois la capacité de la grande salle actuelle du Louxor), Les Aventures de Robin des Bois (1938) avec Douglas Fairbanks y est présenté en avril 1939. Sur scène, se succèdent, chansonniers, actualités et grands films.

Sa programmation est assez éclectique, en 1966, on y croise des comédies, Les Malabars sont au parfum, avec Roger Pierre et Jean-Marc Thibault, Les enquiquineurs avec Michel Galabru et Michel Serrault, 3 sur un Sofa avec Jerry Lewis, Dominique avec Debbie Reynolds, l’histoire de la nonne chantante, dont le refrain fit sourire la France entière, des films d’aventure Le Seigneur de la guerre avec Charlton Heston, Fureur sur le Bosphore, dans la lignée des James Bond. Mais la rentabilité d’une salle trop grande, de surcroît mono-écran, est rudement mise à l’épreuve au milieu des Trente Glorieuses. En 1969, l’année de sa fermeture, le Palais Rochechouart présente Bullitt avec Steve Mc Queen, Le Cerveau avec David Niven, Bourvil et Belmondo, Duel dans le Pacifique ou encore Le Bon, la brute et le truand. Le cinéma ferme ses portes le 11 novembre 1969 avec à l’affiche L’Homme le plus dangereux du monde, un film d’espionnage avec Gregory Peck. Il devient en 1970 le Centre commercial du Palais Rochechouart avec 50 boutiques. Le lieu est essentiellement fréquenté par la communauté antillaise, où l’on pouvait y trouver des disques, vêtements et produits exotiques. Détruit, il laisse la place à un commerce d’électroménager. Les ors du Palais se vivent aujourd’hui dans les souvenirs des cinéphiles du quartier.

A l’affiche : La Reine s’ennuie de George Brackett Seitz, un feuilleton de 1918, L’Éternel Retour un film de Jean Delannoy (1943).

Témoignage : Liliane Vittori, enfant du quartier dans les années 1950
J’habitais 84 rue Rochechouart et j’avais 6 ans en 1956. Sur le boulevard, le cinéma Palais Rochechouart (du même nom que ma rue !) semblait vraiment un « Palais » – comme dans Le Magicien d’Oz - dissimulant à l’intérieur un mystérieux parc d’attractions ; et avec à l’extérieur  un « général d’opérette » qui gesticulait pour attirer les badauds. Cela nous amusait, mon père et moi. Toute petite, j’y ai vu le dessin animé de Disney, Peter Pan (sorti le 23 décembre 1953). Ma mère me raconta que ce jour-là je faisais partie des attractions ! A ma manière de réagir – me levant du balcon – pour encourager Peter Pan qui ferraillait contre le Capitaine Crochet ! J’y ai vu aussi Ne touchez pas au grisbi, un film de grands, tourné en partie à Pigalle, pas très loin de chez moi. Une autre fois (mais était-ce au Palais Rochechouart ou dans un autre cinéma tout proche ? Il y en avait tellement !), ma nourrice m’a amené voir Le Ballon Rouge (sorti le 19 octobre 1956) m’expliquant que l’histoire se passait tout près, sur la Butte Montmartre. J’apprendrai qu’en réalité c’était sur les hauteurs de Ménilmontant. Peu importe ! De ce film poétique, vient ma passion du cinéma. J’ai appris encore plus tard que Le Ballon Rouge d’Albert Lamorisse était l’un des films préférés de stars d’Hollywood aux côtés de Citizen Kane et de Lawrence d’Arabie. Il fut mon ancre, mon film de référence tel un rêve qui avance encore … comme sur l’écran du cinéma de mes années d’enfance.

Témoignage de Denise Gluck. [Denise répond à Liliane sur la projection du Ballon rouge]
J’apporte une précision, c’est au Delta, et non au Palais Rochechouart qu’est passé en 1956, Le Ballon rouge. Mes souvenirs sont très précis. Le Delta dans ces années-là était mieux qu’un honnête cinéma, comme l’indique la notice, il méritait le titre d’Art et essai. Le Palais Rochechouart était, en effet, un cinéma chic du quartier, c’est là que j’ai vu mon premier film dans les années 40, Blanche Neige, sans doute en exclusivité. Mais le Louxor et le Myrha restent plus chers à mon cœur.

Le Delta en mai 1950 pour la première du film "Les conquérants d'un nouveau monde" / DR.Coll.D.Blattlin

LE DELTA
17 bis, Boulevard de Rochechouart – Paris 9e
28 octobre 1920-1985
Aujourd’hui, une friperie.

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Longeant le trottoir après la Gaîté Rochechouart, sur une place à l’angle du boulevard et de la rue du même nom, une friperie, bien connue des habitants du quartier, étale ses montagnes de vêtements. Une salle de cinéma prenait place à cette adresse : Le Delta – qui tire son nom du jardin du même nom (puis de la rue) où fut inauguré en 1818 un parc d’attractions à l’égyptienne, thème à la mode depuis la campagne d’Egypte menée par Bonaparte et ses successeurs (1798-1801).

Le Louxor, bien que construit le siècle suivant, est le témoin  flamboyant de cette passion française. Du Louxor au Delta, il n’y a qu’un pas. Jusqu’à récemment, il suffisait de lever les yeux au plafond de cet ancien cinéma pour apercevoir, dans le vaste volume du magasin, les rosaces et autres frises qui ornaient la salle. Le Delta est l’exemple d’un modeste et honorable cinéma de quartier de 522 fauteuils avec orchestre et balcon. Ouvert en 1920 il assure pendant au moins quarante ans une programmation de films en première exclusivité.

"Neige" (1981) de Jean-Henri Roger et Juliet Berto

Avec les  années 1980, les temps deviennent difficiles pour les petites salles gérées par des indépendants, et le Delta s’adapte à la sociologie d’un quartier plus ouvert sur le monde qu’avant guerre. Des films africains et indiens y sont ainsi régulièrement programmés. Mais ni les danses colorées de Bollywood, ni  les contes de l’Afrique enchantée n’empêchent  le lent déclin du Delta. Le rideau est définitivement tiré en 1985, et ne reste aujourd’hui que le décor momifié d’un cinéma disparu, presque intact : entre chemises, jupes et pantalons, l’emplacement de l’écran et le balcon sont toujours bien visibles par les clients venus chercher autre chose que le rêve passé des salles obscures.

Le Delta et le cinéma : François Truffaut, qui habite dans le quartier, fréquente le ciné-club du Delta qui, à partir de 1945, propose, le mardi soir, des films français des années 1930 (In François Truffaut d’Antoine de Baecque et Serge Toubiana, p 53, Gallimard, 1996.). On croise notamment le Delta, dans Neige de Jean-Henri Roger et de Juliet Berto.

Récit : Alexandre Mathis, écrivain.
Le Delta joue Le Couple invisible. Avec Cary Grant. Un panneau présentait le cinéma comme étant la salle des grandes reprises. Demain c’était le Dernier jour. Roger y entra. Après le hall, la salle était située à angle droit. Arrivé devant la dernière rangée de fauteuils au fond de la salle, une ouvreuse se lève. Elle regarde son billet à la lueur de sa lampe. Deux colonnes obstruent la visibilité de l’écran devant certaines places. Au niveau des colonnes, Roger monta, derrière l’ouvreuse, un escalier étroit, sur le côté droit de la salle. L’ouvreuse lui éclairant les marches avec une lampe de poche dont la pile semblait usée, ils arrivent dans le noir complet d’un petit balcon, dont l’obscurité était percée par le seul faisceau lumineux depuis le mur du fond au-dessus de la tête des spectateurs. Après avoir tendu un pourboire à l’ouvreuse, deux spectateurs se levèrent de leurs sièges pour le laisser accéder à la seule place libre du balcon que l’ouvreuse lui éclaire faiblement. Le balcon était minuscule. Il tendit la tête pour voir les images du prochain film que le Delta allait projeter dès mercredi, Les Fusiliers marins débarquent, – tandis que l’ouvreuse repartant dans le noir, laissait partir à voix haute la prochaine fois il montera seul.

Extrait du roman montage Allers sans retour – Ed Edite – 2009.

Photo du Delta : DR/Collection D.Blattlin. A l’affiche, « Les Conquérants d’un nouveau monde » (Unconquered) (1947) de Cecil B. DeMille.
Photogramme de Neige (1981) de Jean-Henri Roger et Juliet Berto.

Ajout (09/02/2021).
Merci à M.Ch.Tabaste pour le prêt de ces programmes du Delta (1932 et 1921).

LE TRIANON (également CINEPHONE ROCHECHOUART)
80, boulevard de Rochechouart – Paris 18e
1902 (construction du théâtre) – 1939 – 1952 (Trianon) – 1992.
Aujourd’hui, une salle de spectacle.

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Après la station Anvers, face au Lycée Jacques Decour, le Trianon, classé en 1982 à l’Inventaire supplémentaire des Monuments Historiques, est l’une des plus anciennes salles de spectacles parisiennes à l’origine dédiée au Café-Concert puis au Music-Hall sous le nom de « Trianon Concert ». Avec son théâtre à l’italienne construit en 1902 après un incendie de la salle d’origine (construite en 1894), le Trianon est l’œuvre de Joseph Cassien-Bernard, architecte du très décoré Pont Alexandre III inauguré lors de l’exposition universelle de Paris en 1900. C’est une salle de 1000 fauteuils répartis entre l’orchestre et deux niveaux de balcons. Il comporte un vaste foyer et deux imposants escaliers décorés de Nymphes et Puttis de style Beaux-Arts.

Des projections sont quelquefois organisées à partir de 1936. Mais en 1939, l’ancien théâtre devient cinéma à part entière sous l’enseigne de Cinéphone Rochechouart, nom qu’il garde jusqu’en 1952, pour reprendre celui de Trianon. On y programmera tout ce que le film de  genre peut compter : péplums et autres fresques historiques, aventures et cape et d’épées, séries B policières, western spaghetti, karaté, kung-fu et cinémas du monde. A partir des années 1980, l’hémorragie qui voit la fermeture successive des salles de quartier est difficilement contenue. Le Trianon range son écran en 1992, et revient à sa destination originelle : le théâtre et la chanson. Repris par de jeunes entrepreneurs, il est entièrement rénové en 2009 et rouvre ses portes au public le 22 novembre 2010, il peut accueillir jusqu’à 1 500 personnes.

Le Trianon et le cinéma : Le Trianon apparaît dans Neige (1981) de Jean-Henri Roger et Juliet Berto.

Témoignage : Karim Imessad, ancien employé au Trianon.
J’ai longtemps occupé tous les postes dans des salles qui appartenaient à mes anciens patrons : Ritz, Cigale, Montmartre Ciné. Mais leur bijou c’était le Trianon. Un vrai bateau, c’était immense et je vivais dedans : dans un studio derrière la scène. J’y ai connu Bigoudi, une ouvreuse qui racontait qu’elle avait gardé un jour les singes de Joséphine Baker !  Le matin, elle entrait dans la salle encore vide, faisait le tour et ressortait. Elle disait : « l’odeur de cette salle : c’est comme une drogue! » Elle s’y sentait bien, c’était son espace. Il y avait les petites loges avec des murs en velours rouge pour une ou deux personnes, c’était tranquille. Jacques Brel y passait des journées entières pour écrire ses chansons, à l’époque où il jouait à Montmartre. Il y a des gens qui restaient à toutes les séances et c’était aussi un lieu de rendez-vous. Certains ont même habité sous la scène avec des matelas, des réchauds … Le matin, ils allaient se laver dans les toilettes, puis s’installaient dans la salle pour regarder le film. Ils profitaient de l’entracte pour faire leurs courses avant de revenir. Il s’est passé deux ans avant qu’on découvre ces pensionnaires clandestins. Un chat perdu nous avait mis sur leur piste. Un jour, la police arrive au Trianon avec un homme menotté et font sortir tout le monde à l’entracte. C’était un voleur à la tire qui venait cacher son butin dans les fauteuils du Trianon. Le patron était furieux !

Photo du Trianon : © photo Alexandre H. Mathis 1972. A l’affiche, western spaghetti italien, « Tire, Django, tire » (1968) de Frank B. Corlish (aka Bruno Corbucci).
Photo du Cinéphone Rochechouart, 1938 : Carte postale, collection particulière. D.Blattlin. A l’affiche « Laurel et Hardy au Far West » (1937) de James W Horne.

Cliquez sur la carte pour découvrir les 470 salles parisiennes. Recherches effectuées avec le soutien de la Bibliothèque du film de la Cinémathèque française.

Consultez la carte des CINÉMAS DE PARIS (ICI).
Pour témoigner, vous pouvez nous adresser un mail à parislouxor (at) gmail.com

Bob Brandy le cowboy au lasso par PARIS-LOUXOR

Artiste d’attraction dans les années 60, Bob Brandy maniait le lasso mieux que personne dans les cinémas de quartier du 18e arrondissement. A l’occasion de l’exposition Nos cinémas de quartier, Bob nous raconte son travail d’animation en première partie des films.

Consultez les cinémas de quartier évoqués par Bob Brandy (ici)

Extrait de Charlot et le Masque de fer, présenté au Louxor, la semaine du 31 octobre 1924.

Le printemps ayant quelques difficultés à se dévoiler, nous vous proposons un programme, du Louxor, de saison datant de fin octobre 1924.

Avec :

1. L’orchestre de M. Marius Kowalski
2. Toutes les actualités et les faits divers du monde entier par le Pathé-Journal
3. Charlot et le Masque de Fer, comique
4. Le Vert Galant (troisième époque)
Entr’acte de 15 minutes
5. Orchestre
6. Attraction : Maguy Delhery, chanteuse à voix
7. Pathé-Revue, documentaire
8. La Voyante avec Sarah Bernhardt (avec également Mlle. Marie Marquet, Harry Baur, Georges Melchior…)
9. Orchestre. Retraite

La Direction se réserve le droit de modifier le programme.

Nous remercions M. Tabaste de nous avoir prêté ce programme, que vous pourrez également découvrir lors de l’exposition « Nos cinémas de quartier » du 25 avril au 25 mai en mairie du 18e. (ici)

Nous avons rencontré le cinéaste militant [1] Jean-Henri Roger le 15 novembre dernier à l’occasion de la sortie en DVD de Neige [2], film qu’il réalisa, entre Pigalle et Barbès, en 1980, avec sa compagne Juliet Berto. Affable, cet amoureux et défenseur du cinéma évoque pour nous ses souvenirs, de Marseille à Paris, le tournage, le quartier et son cinéma. L’entretien est resté en suspend… débordé par le temps… jusqu’à être méchamment rattrapé par la réalité. Jean-Henri Roger nous a quitté le 31 décembre dernier. Il est des rencontres qui marquent et des rires qui restent. Le sien fait encore écho, le rire généreux d’un homme de conviction et d’un acteur passionné du cinéma. Peut être qu’un jour reverrons-nous Neige à Barbès, au Louxor, qui sait.

Le film est sorti en mai 1981, le contexte politique de l’époque a-t-il eu une influence sur le film ?

Il n’y a pas de lien direct entre le contexte politique, le film et son tournage. Le succès de Neige a accompagné la victoire de la gauche au moment de la sortie du film. Tout simplement parce que le film répondait à un désir des gens. La disparition complète de ces personnages et de ces lieux populaires dans le cinéma français était vécu comme un manque. Aussi, le désir de mettre en avant cette galerie de personnages de la rue a rencontré le désir de changement politique. Parfois, la situation nous échappe, il y avait Court circuits de Patrick Grandperret, un film cousin de Neige, lui à la Semaine de la Critique, nous à la Quinzaine des réalisateurs, la sélection aurait pu être inverse, tout comme la réception par le public. Nous étions de la même bande, de la même tribu. Pour Neige, il y a eu un processus d’identification, ce film était dans l’air du temps, les gens voulaient ce film là, à ce moment là. Ils en avaient marre de cette occupation de l’espace par les mêmes gens et les mêmes films.

Pour ce qui des personnages et du quartier. Ce qui nous agite avec Juju (Juliet Berto, actrice et co-réalisatrice ndlr), c’est en quelque sorte de réhabiliter, de rééquilibrer cet ensemble, de faire en sorte que ces personnages secondaires deviennent des personnages principaux. Qu’un quartier populaire, dénigré, devienne le référent d’un film, et pas d’une manière folklorique, ni en bien ni en mal, tout simplement le décor, un lieu, parce que cette histoire se passe là, en prise avec une réalité. Voilà comment se caractérise le désir politique. C’était pour nous une façon de dire il y en a marre de ces thrillers calqués sur le même modèle. Parfois avec de bons scénarios. Quand Jacques Deray adapte Jean-Patrick Manchette avec Trois hommes à abattre, c’est avec un bon scénario, parce que Manchette est un  magnifique écrivain de polar. Mais voilà, il prend Manchette et il enlève tout pour ne rien laisser. Tous ces films sont fait sur l’idée des acteurs et non des rôles, malgré tout Deray est un honnête homme. C’est un pan du cinéma qui existe, c’est le grand cinéma populaire et quand il est de qualité c’est formidable. Je n’ai rien contre mais ce n’est pas mon truc. Ce qui nous intéressait, c’était les personnages, c’était presque le désir démocratique de faire vivre les personnages, mais pas les acteurs. La réflexion politique était de cette nature. Alors, comment se pose la question du cinéma ? Si tu es comblé par les films des autres tu n’as pas besoin d’en faire ! Ce qui est important pour nous, c’est de maintenir la ligne du film avec d’une part les personnages, en tant que représentant du réel et le quartier, en tant que réalité, le reste ne nous intéresse pas. Parfois, avec une position poussée à l’extrême. Quand on fait des films on a des positions dogmatiques qu’on essaye de respecter même si on ne les respecte pas totalement, mais heureusement qu’on les a, car cela nous donne une espèce de morale. Nous en avions une, celle de ne jamais tourner dans un espace privé. La seule fois dans le film où il y a une séquence dans un espace privé c’est quand le chauffeur de taxi dit à sa mère que sa fille est en prison, c’est un choix délibéré, car cette question ne peut s’inscrire que dans le domaine privé. C’est la seule scène, tout le reste se passe dans l’espace public.

Comment s’est déroulé le tournage, réalisé pour l’essentiel en extérieur, de Pigalle à Barbès, jusqu’à la Goutte d’Or, sur le boulevard de Rochechouart…

Au bout de quatre, cinq jours, nous n’existions plus, nous étions invisibles, nous faisions partie du décor. Nous avons tourné pendant la fête foraine, nous étions des zozos, des clowns de plus dans le décor, des fondus dans la masse (rires). On tournait rarement deux fois la même séquence, sauf quand il y avait un attroupement, on faisait un plan, on s’en allait et on revenait deux heures après pour retourner. Nous étions peu nombreux, s’il avait fallu être 30 sur le tournage ça n’aurait pas été possible, dans ce cas là autant aller en studio… Il faut donc inventer des techniques pour pouvoir travailler de manière fluide. Nous étions une dizaine, parce que c’est un film fauché, réalisé avec peu de moyens. Aujourd’hui on trouverait que l’on était nombreux parce que les technologies ont évolué. Il y avait trois personnes à la caméra, deux au son, trois à la régie, deux assistants, deux électros et un machino. Lorsque nous étions sur le boulevard, on mettait la caméra sur le terre plein, et vice versa. On tournait en 35 mm avec la caméra à l’épaule. La plupart du temps, les gens ne nous voyait pas, à un point qu’on a tourné un plan avec des policiers venus brancher Nini Crépon (le travesti, Betty) qui titubait sur le boulevard, ils ne savaient pas que l’on tournait un film, la caméra était sur le terre plein. Ils n’ont rien vu, ensuite on leur a expliqué.

Reportage consacré au film « Neige ». Interview de Juliet Berto et Jean-Henri Roger, réalisé par Fernand Moszkowicz. MAJ. mai 2015.

La lumière du film est remarquable, on la doit à Lubchtansky, le directeur de la photo…

Nous étions les premiers à utiliser la première pellicule Fuji 400 Asa. Kodak n’avait pas encore sorti la sienne et Willy de chez Fuji voulait à tout prix que l’on essaye sa nouvelle pellicule. C’est alors devenu très clair, si vous voulez qu’on l’essaye donnez nous la pellicule pour faire le film. Sur le tournage, tu sais que tu ne peux pas éclairer le boulevard, d’ailleurs ça n’a pas de sens, si tu veux le faire, autant aller en studio. Il nous a alors fallu réfléchir à la manière de procéder avec toutes ces contraintes. Pour les scènes de nuit, il nous fallait tourner près de sources lumineuses, il y a même une scène de jour que l’on mis de nuit, avec une référence lumineuse très forte, toujours dans un décor naturel. Le seul endroit où l’on maîtrise réellement  la lumière c’est à La Vielleuse (bar de Belleville ndlr). plus précisément dans l’arrière bar, parce que le bar on ne l’a pas fermé. Je n’ai jamais fait fermé un bar, 60% des films environ que j’ai tourné se passent dans les bistrots, j’ai même un logiciel qui les répertorie ! C’est toujours une question complexe le tournage dans les lieux publics, le décor, le passage, les habitués. Le meilleur assistant du monde ne te trouve pas les bonnes personnes pour les scènes de bar, ce qu’il faut faire c’est avoir, en plus de la faune, deux, trois copains aux places stratégiques pour les raccords, dans le découpage et la mise en scène pour être sûr que trois heures après tu aies les mêmes. sinon c’est intenable.

Il était important que le film se fasse avec des “vrais gens” du quartier ?

À vrai dire je ne sais pas comment on peut faire autrement, mon imaginaire est incapable de faire autrement. Je ne me vois pas, je me sens incapable, et ce n’est pas un jugement de valeur, je parle là de ma démarche, je me sens incapable de demander que l’on me trouve des figurants comme ci ou comme ça. Je viens vraiment de l’idée que le cinéma c’est la captation, je suis un vieux Rosselinien dogmatique (rires). Le cinéma, pour moi, c’est la captation.

Dans le film, on retrouve nombre de salles de cinéma de Pigalle à Barbès, c’est l’époque de la fin des salles …

Oui, le Trianon, le Delta, le Moulin rouge etc. C’était même la fin de la fin des salles de cinéma ! Filmer ces salles, c’était une manière de leur dire bonjour… c’est fini… Ces salles de quartier étaient finies. À la grande époque, je me souviens être venu de Marseille à Paris et avoir vu Rio Bravo au Moulin rouge, lorsque l’on a tourné Neige, le Moulin Rouge était encore un cinéma mais 6 ou 8 mois après c’était terminé. Neige est un film dont l’amour du cinéma est manifeste dans le film et il y avait ce désir de mettre en scène ces salles de cinéma.

Joko (Robert Liensol), Anita (Juliet Berto) et Bruno le chauffeur de taxi (Paul Le Person) devant le cinéma Le Delta.

Dans quelles salles de cinéma avez-vous tourné ?

On a tourné dans la salle du Moulin Rouge et aussi dans le hall du Trianon. À cette époque les salles projetaient du cinéma de genre, y compris des films pornos, ou du cinéma des diasporas comme au Louxor où l’on passait du cinéma d’Afrique du nord.  Pour Neige, nous voulions tourner sur la terrasse du Moulin rouge, dans le film Raymond Bussières joue le projectionniste, c’est un hommage à Prévert. Nous voulions que Bubu joue le projectionniste de la salle où habitait Prévert, il habitait sur la terrasse du Moulin Rouge tout comme Boris Vian. Mais le désir était plus de tourner sur la terrasse du Moulin rouge, chez Prévert, que dans la salle. Prévert habitait en face de la salle de projection, à l’époque, les projectionnistes arrivaient par la terrasse.

Dans ce quartier il y a des tas de personnages qui ont une solidarité diffuse, non dites, entre eux. Bussières c’est le vieux parigot, il aurait très bien pu être projectionniste et fumer une cigarette avec Prévert pendant la projection des films, cette scène n’est pas du tout improbable [3]. C’était une autre manière de faire vivre le quartier avec ses habitants, ce ne pouvait être que Bussières qui soit projectionniste dans cette salle là.

Vous fréquentiez le Louxor ?

Non, pas vraiment. C’était un cinéma qui passait du cinéma de genre ou communautaire. Mais si on me propose une projection de Neige au Louxor, je ne dis pas non et je pense sincèrement que ça aurait de la gueule ! (rires). D’ailleurs, on a failli occuper le Louxor en 1997 avec le mouvement des cinéastes en soutien aux sans-papiers ! Nous avions réalisé un film et nous cherchions un QG, l’idée du Louxor est venue après une rencontre avec l’ancien propriétaire, Fabien Ouaki, mais Jean-François Bizot (ancien patron d’Actuel et de Radio Nova ndlr) l’a convaincu que ce n’était pas une bonne idée ! (rires).

Vous semblez très attaché au quartier…

On y vivait ! On habitait Square d’Anvers. C’est un film que l’on a fait en bas de chez nous ! On fréquentait autant les salles que les bistrots. L’exotisme absolu pour nous c’était La Vielleuse à Belleville !! Pour le film nous ne trouvions pas de grands bars dans le quartier où les proprios acceptaient que l’on vienne tourner. À La Vielleuse, on y retrouvait la même configuration avec le terre plein, le manège et surtout il y avait l’arrière salle qui était à l’abandon, du coup on a proposé au patron de la rénover pour le film.

Quelle était l’atmosphère dans le quartier à cette époque ?

Je dirais que ça n’a pas beaucoup changé, il y a toujours des ouvriers, des travailleurs immigrés sans le sous, des prostituées, des travelos malheureux, des dealers et des mecs en manque. Si l’on devait reprendre la caméra, on retrouverait le même tableau dans le cadre. C’est un des derniers quartiers qui est resté dans son jus, mais il est vrai qu’avec le rachat du Louxor par la Ville de Paris ça va changer… pour ce qui est de Pigalle, je ne pense pas que le quartier ait fondamentalement changé. Il m’arrive d’y retourner. Ça reste un lieu de la nuit, ouvert tout le temps.

Vous entreteniez un rapport particulier avec la salle de cinéma ?

Lorsque j’ai monté les marches à Cannes pour Neige, j’ai demandé à les monter avec Monsieur Moreau. C’était le propriétaire du “Festival”, un cinéma Art et essai sur le vieux port à Marseille. Lorsque je n’avais pas un sou, ce monsieur me faisait entrer au cinéma… c’était notre maison, j’y allais avec Echenoz, on habitait là ! Ça lui plaisait d’avoir un jeune mec de 15, 16 ans lui dire “Le dernier Rosselini… c’est quand !!?”. Il a compté pour moi, il était propriétaire de deux salles “Le Festival” et “Le Paris”. On y allait en tribu, il y avait deux bandes, toutes deux composées de quatre personnes qui se haïssaient cordialement mais qui évidemment s’aimaient beaucoup (rires) !! Nous étions amateurs de jazz et cinéphiles, c’état Positif / les Cahiers ! Jazz Mag / Jazz Hot !!

Quel accueil a reçu le film lors de sa sortie en mai 1981 ?

Le film a eu un succès incroyable, 600 000 entrées France, rapporté à aujourd’hui cela pourrait se compter en millions. C’est UGC qui l’a sorti. Je me rappelle la réaction du patron d’UGC, le père Sussfeld, me disant “On a fait 67 entrées à Odéon à 11h ce qui veut dire que l’on fera plus de 200 000 entrées à Paris pour le film…”. J’étais estomaqué, je me souviens lui avoir dit, “Si c’est comme ça que se détermine la vie d’un film, tu es un mec dangereux !”. Il ne s’est pas trompé. Il savait au nombre d’entrées fait à l’Odéon ce qu’il adviendrait du film, c’était l’une des seules salles à ouvrir des séances le matin, un des premiers multiplexes, il y avait 6 salles ce qui pour l’époque était énorme.

Le film a été réalisé avec peu de moyens, une équipe restreinte, vous établissez un parallèle avec ce qui peut se faire aujourd’hui…

Non et c’est compliqué ce qui se passe aujourd’hui. J’ai la chance d’être prof à Paris 8 en Master réalisation dont la finalité est de faire un film, je vois bien comment mes étudiants travaillent. On est à la fac, pas dans une école où l’on finance la réalisation des films. Il y a 55 soutenances par an, les étudiants trouvent, ils se débrouillent. Dans une économie qui n’a pas d’économie. La position du cinéaste maintenant est celle de l’artiste. Si j’ai fait du cinéma c’est parce que je ne voulais pas être artiste, je parle de la posture de l’artiste. Maintenant, le fait que tu puisses faire ton film tout seul chez toi te permet de te penser comme artiste. Nous on a fait le film avec rien mais on a quand même eu l’avance sur recette, quinze salaires à payer, même s’ils acceptent d’être payés à moitié, ils te font un cadeau dont tu es redevable. Tu es dans la société, le réel. Tu es dans un système, celui de la fabrication des films, tu n’es pas tout seul en train de fabriquer ton truc. Aujourd’hui, c’est totalement différent. Je n’ai pas du tout envie de faire un film seul, tout seul, moi et une caméra dans mon coin, tout simplement parce que je ne sais pas faire, en dehors d’un rapport à la société, au social, dont l’économie du cinéma fait partie. Toutefois, on ne peut nier l’intérêt que procurent ces moyens légers de réalisation, mais ce qui me dérange c’est cette tendance à la survalorisation du moi… Neige a eu la chance de rencontrer UGC qui l’a acheté, un an avant, pour pas grand chose. À l’époque Téchiné et nous, étions les danseuses d’UGC, on nous sortait de temps en temps (rires). Maintenant, l’époque des danseuses est révolue !

La musique a son importance dans le film, au point que vous avez déclaré « Neige est un film Rythm n’ Blues… »

Ah, c’est tout une histoire ! (rires) pour préparer la promo du film je me suis attelé à la rédaction du dossier de presse. Comme les journalistes sont un peu flémards, je cherchais une image qui soit suffisamment percutante pour être reprise, alors j’ai écrit “c’est un film Rythm’n Blues sur 800 mètres de boulevard, le rythme du cinéma, le blues de la vie” ! C’était dans le dossier de presse, mais c’est de la pub ! Si j’avais touché des droits d’auteur sur cette phrase là j’aurais gagné plus qu’avec le film ! (rires). Pour ce qui est de la musique de Bernard Lavilliers (« Pigalle la blanche » ndlr), on se connaissait, j’aimais bien ce qu’il faisait, cela correspondait bien à l’ambiance du film, je lui ai proposé et il a accepté (Il joue notamment le rôle de Franco dans le film). Cela s’est fait simplement, au moins jusqu’à l’enregistrement, après c’était plus compliqué mais c’est une autre histoire !!

Vous pensez qu’il est plus difficile de faire des films aujourd’hui ?

Il y a un décrochage, un déplacement. Le cinéma aujourd’hui manque de solidarité, à la fondation de l’ACID, on disait, le cinéma c’est de Deray à Biette et c’était vrai. Deray te disait il faut que Biette puisse faire ses films, Sautet disait également la même chose. Il y avait cette idée qu’il y avait -un- cinéma, avec plusieurs entrées, plusieurs économies, mais c’était -un- cinéma. Aujourd’hui, ce n’est plus du tout vrai. Entre le réalisateur qui se bat pour faire ses films et la grosse machine du cinéma, il n’y a plus aucune chance aujourd’hui pour que les films se croisent.

Qu’est-ce qui fait que les rencontres ne se font plus…?

Parce que le cinéma n’est plus l’image du monde, c’est la télé, internet qui est désormais l’image du monde. Tout comme la salle n’est plus un lieu de rencontre. Tout ça est lié, nous sommes à la queue de la comète. Nous on vit encore sur cette idée que le cinéma est la référence de l’image du monde, alors que ce n’est plus du tout vrai. Pour les gens ça se joue ailleurs, sur d’autres écrans, la télé, internet. La réouverture du Louxor est une idée nécessaire. Il va falloir trouver les films, convaincre, ce n’est pas gagné, si c’est compliqué à Saint Michel, on peut légitimement se dire que ce sera compliqué à Barbès, il va falloir être inventif.

Je ne suis pas un déçu du cinéma, il y a plein de choses que j’aime bien. J’ai aujourd’hui un peu plus de 60 ans mon Panthéon du cinéma je l’ai fabriqué, comme tout le monde, entre l’adolescence et l’entrée dans l’âge adulte, à une époque où l’on s’est nous même fabriqué. Alors, pour bousculer tout ça c’est toujours un peu compliqué ! On en a vu 10 000 mais on vit avec 20-30 films. Ces films là, ils sont à nous. les autres ont du mal à rentrer, de temps en temps il y en a qui rentrent. J’aime beaucoup Un Prophète d’Audiard, je vois ce que je pourrais ne pas aimer dans le film, et ça n’altère pas ce que j’aime, même si je vois la “fin UGC”. Ça ne change rien. J’ai vu Pierrot le fou le jour de sa sortie sur la Canebière à Marseille, et le dimanche après midi au cinéma les kakous pensaient qu’ils allaient voir l’histoire de Pierrot le fou, le braqueur  marseillais du gang des tractions, avec Belmondo dans le rôle titre !!! Aujourd’hui, cette confusion serait impossible. Ce sont ces films là qui m’ont nourrit et inventé.

Merci à Claire Viroulaud.

Portrait par Frédéric Poletti, photogrammes du film © Epicentre Films.

NEIGE en DVD _ Epicentre Films

Synopsis.
Anita est barmaid à « La Vielleuse ». Elle a un grand coeur, surtout pour Willy ancien professionnel de « full contact ». Jocko est le pasteur de l’église de la Sainte-Trinité au coeur de Pigalle. Ses messes et sa bonté apportent réconfort et chaleur à son entourage. Un jour Bobby dealer du quartier et protégé d’Anita se fait tuer sous les néons de la fête foraine. La barmaid et ses deux acolytes décident alors de secourir les drogués les plus dépendants.

Réalisé par Jean-Henri Roger et Juliet Berto. Scénario et dialogues de Marc Villard adaptés par Juliet Berto et Jean-Henri Roger.

Avec Juliet Berto, Jean-François Stévenin, Robert Liensol, Patrick Chesnais, Jean-François Balmer, Eddie Constantine, Paul Le Person, Émilie Benoît, Anna Prucnal, Raymond Bussières, Bernard Lavilliers…
Sorti le 20 mai 1981
Musique : François Bréant, Bernard Lavilliers
Durée : 90 minutes

[1] Dizga Vertov, Cinélutte, mouvement des 66 cinéastes. British Sound (1969) et Pravda (1970) avec JL Godard, Neige (1981) et Cap Canaille (1983) avec J.Berto, Lulu (2002) et Code 68 (2005).
[2] Prix du jeune cinéma au festival de Cannes (1981)
[3] Raymond Bussières, comédien, fut un des fondateurs du Groupe Octobre pour lequel Jacques Prévert écrivit de nombreux textes d’agitprop dans les années 1930. Il était militant syndicaliste actif du syndicat des comédiens.

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